Видео

Vielen Dank für das Feedback! Martin

Hallo und danke für deinen Kommentar, du hast Recht, neben Handschrift Notendruck und Computersatz gibt es noch den Notenstich. Den habe ich bei der spezifischen Fragestellung des Videos außen vor gelassen. Erlaube mir aber, für die zeitliche Abfolge auf folgenden Wikipedia-Artikel zu verweisen: de.wikipedia.org/wiki/Notation_(Musik)#Der_Notensatz_von_der_Handschrift_zum_Computerdruck und de.wikipedia.org/wiki/Notensatz Zeitlich gesehen wurde der Druck von Noten mit beweglichen Lettern früher entwickelt (1498 von Ottaviano Petrucci) als der Notenstich, wie du ihn beschreibst (1730 durch John Walsh). Zwischen den beiden lag noch ein spezielles Druckverfahren, dass nur Breitkopf in Leipzig nutzt und die Ätzradierung. Beste Grüße, Martin

@@capellaacademy Um 1990 herum War Laserdruck ein seltenes und teures Verfahren. Es gab die ersten Tintenstrahldrucker. Sie verstopften schnell und das Druckbild war nicht ganz scharf. Außerdem gab es den Nadeldrucker. Er ist zum Notendruck völlig ungeeignet, weil die Nadeln, wegen der fünf Notenlinien. Immer auf dieselbe Stelle des Bandes schlagen. Nach wenigen Seiten war das Farbband zerfetzt. Der EDV-Notensatz konnte sich erst vor 30 Jahren etablieren, durch Fortschritte beim Laserdrucker, vor erstaunlich kurzer Zeit.

Danke für deine Ergänzungen zum Instrumentenbau. Dass man im Bass die Saiten sukzessiv tiefer stimmt, liegt an der Obertonspreizung bei dicken Saiten. Dadurch sind sie etwas weniger biegefähig als ideale dünne Saiten. Dadurch klingen Obertöne höher als die rechnerischen Vielfachen der Grundfrequenz. Da die Obertöne wesentlich über den Zusammenklang von Tönen bestimmen, muss man das Klavier im Bass gezielt verstimmen, damit es mit den Saiten in der Mittellage gut zusammenklingt. Bei Saiten im Diskant ist es ebenso, spielt allerdings wegen der kurzen Nachklingdauer kurzer Saiten eine weniger kritische Rolle. Und dann gibt es bei Klavieren noch die Spezialität, dass in den Mitten und Höhen mehrere (meist bis zu 3 Saiten) gleichzeitig für einen Ton angeschlagen werden. Diese werden gezielt geringfügig gegeneinander verstimmt, um einen mehr oder weniger schwebenden Klang jedes Tons zu erzielen. Auch das erfordert Fingerspitzengefühl, Einfühlungsgefühl für jedes Instrument und den Raum sowie lange Erfahrung. Das wären weitere Gründe, insbesondere ein Klavier nur professionell stimmen zu lassen. Vielen Dank und viele Grüße, Martin

@@capellaacademy Über Klavier und Klavierstimmer sind wir uns bemerkenswert einig. Das Klavier ist ja auch ein häufiges Instrument. Außerdem gibt es die Orgel... Es gibt andere Saiteninstrumente, die ebenfalls gestimmt werden müssen, Konzertgitarre, Gitarre mit Stahlsaiten, Gamben, Lauten, Cembali, Violine, Viola, Violoncello, Viola d' Amore. Außerdem gibt es für jedes Instrument unterschiedliches Repertoire. Hier können unterschiedliche Stimmungen verlangt sein. Diese Menge an Informationen ist in diesem Rahmen sowieso nicht mehr handhabbar. Mir genügt beim Leser das Bewusstsein, daß es noch mehr gibt. Wenn er suchen möchte, wird er finden.

Hallo und danke für den Kommentar. Hast du für die Messung, die du im letzten Satz erwähnst eine Quelle? In DOris Gellerts Intonationslehre sowie Donald Halls "musikalischer Akutsik" (siehe Quellenangaben im Video) sind keine Hinweise darauf zu finden, dass das Vibrato bei Streichern die korrekte Tonhöhe nicht überschreitet. Für Sänger habe ich eben noch einmal "nachgemessen" (mit Voce Vista): da geht das Vibrato in beide Richtungen. Viele Grüße, Martin

@@capellaacademy Ich hatte eine Quelle. Mittlerweile ist die Messtechnik so weit fortgeschritten, daß jemand diese Behauptung aufstellte und eine Kurve danebenlegte. Ich konnte es sehen. Es gibt aber noch andere Quellen. Carl Flesch, Kunst des Violinspiels, Ries und Erler, Berlin 1923. Von den 10 berühmtesten Geigern der vergangenen Generation hat Flesch 9 ausgebildet. Der andere Geiger war David Oistrach, Lehrer war Auer. Dort steht, es gibt Fingervibrato, Handgelenkvibrato, Armvibrato. Außerdem schreibt er "Mir gilt der Geiger nichts, der den Leitton nicht erhöht." Über die Ausführung des Fingervibratos machte er keine Angaben. Ich selbst konnte diese Möglichkeit nicht finden. Beim Handgelenkvibrato. wird die Schwingung auch bei Kollegen zuerst nach unten gehen. Diese Bewegung braucht weniger Kraft. Aus diesem Grund ist die Schwingung nach oben zumindest weniger ausgeprägt. Jahrzehntelanger Orchesterdienst zwingt zu immer ergonomischeren Verhalten. Auch deswegen halte ich die ausschließliche Schwingung nach unten, die ich ja sehen konnte, für glaubhaft. Beim Armvibrato wird der Arm versteift, damit er schwingen kann. Die Geige wird über den Kinnhalter fixiert, damit sie gleich nicht wegfliegt. Somit wird auch die Nackenmuskulatur angespannt. Die erste Schwingung geht in Richtung Körper. Das ist die günstigere Möglichkeit, den Apparat ins Schwingen zu setzen. Die Rückschwingung geht dann über den Origo hinaus. Ausschließliches Handgelenkvibrato führt zu anatomischen Problemen, zu Heilbehandlungen, zur Berufsunfähigkeit. Hier wirkt Darwinismus, survival of the fittest. Die Geiger mit der Vibratoschwingung um den Origo herum sortieren sich im Laufe vieler Jahre selber aus. Eine Übertragung auf den Gesang und sein Vibrato möchte ich nicht durchführen. Es gibt eine Aufnahme, in der Flesch himself die Geige bedient, irgendein barockes Stückchen. Er erhöht den Leitton nicht. Ich hatte eine Angabe aus Ungarn. Flesch war selbst Ungar. : "Den Leitton kann man gar nicht hoch genug spielen!" Ein Selbstversuch zeigte, wie alle anderen Töne, so kann man auch den Leitton zu hoch spielen. Offenbar halten die Ungarn zusammen. Pablo Casals, Briefe. Er schreibt an einen Freund von einem Intonationsversuch. Er ermittelte die Tonhöhe mit großer Genauigkeit, markierte die Stelle mit Bleistift und griff dann beim Üben genau auf diesen Strich. Der Ton war zu tief. Er hatte keine Erklärung. Ich könnte sie geben, tue es aber hier nicht. Ich schreibe, um zu zeigen, hier steckt wieder ein Teufel. Thierry Mathis, Dissertation und Disputation, Stimmung des Cembalos. Aussage war, beim Cembalo wurden die Bässe und Höhen abgesenkt. Quelle war angegeben. Hier wurde nachgefragt, von einem sehr renommierten Cembalisten, Organisten und Musikwissenschaftler, damals noch Professor in Berkeley. Antwort war, Thierry, Altfranzösisch kann er, hat es selber nicht geglaubt und hat sich für die Übersetzung des entscheidenden Wortes an einen Professor für Linguistik gewendet. Die Antwort hat ihn bestätigt in seiner Lesart. Ergebnis war summa cum laude, Vorschlag für den Französischen Staatspreis. Er wäre der beste Musikwissenschaftler, den Frankreich hervorgebracht hat in den letzten fünfzig Jahren. Unter 10 % der Doktoranden liefern überhaupt jemals ab. Es folgten Telefonate mit mir. Ich nannte ihm eine Quelle aus Deutschland, Oktaven sind immer rein, das ist selbstverständlich. Ich erinnerte ihn an das Cembalo in seinem Wohnzimmer. Diese Stimmung wird sehr viel Zeit benötigen. Am Mittag wird er das Stimmen beenden, nicht weil er fertig ist, sondern weil Mittag ist. Ich kannte ihn gut. Er isst gerne. Dann öffnet sich die Türe, ein Luftzug. Der Holzrahmen verzieht sich geringfügig, das reicht. Er muß sein Cembalo noch einmal stimmen. Der Cembalist hat noch andere Dinge zu tun, als das Cembalo in seinem Wohnzimmer zu stimmen. Eine brauchbare Stimmung bietet Stimmstabilität. Seine Quelle schildert Unsinn. Er änderte seine Dissertation. Sind Sie immer noch der Meinung, mit Quellen könnte man die Wirklichkeit zeigen? Sie beschränken sich ja auf den gesicherten Standard. Sie tun gut daran.

Hallo und danke für die Ergänzungen. Einige der von dir angesprochenen Aspekte werden in den weiteren Folgen der Serie noch behandelt. Viele Grüße, Martin

Vielen Dank für das positive Feedback! Martin

Ganz herzlichen Dank für diese positive Rückmeldung. Ich freu mich, wenn die Videos weiterhelfen. Viele Grüße, Martin

Hallo und danke für deine Anmerkungen. Du hast vollkommen recht, dass auch andere Komponisten Fugen geschrieben haben: Buxtehude, Pachelbel. Beethoven, Mozart, Reger oder Schostakowitsch. Der hat sogar in Anlehnung an Bach 24 Präludien und Fugen komponiert. Den Begriff "Großmeister" habe ich auch nicht in Abgrenzung zu anderen Komponisten gewählt, sondern als Würdigung für Bach, dessen "Verdienste" rund um die Fuge wir beide anerkennen, auch wenn das Wohltemperierte Klavier und die Kunst der Fuge als Studien- und Lehrwerke konzipiert gewesen sein mögen. Danke, dass du diese Perspektive ergänzt hast. Viele Grüße, Martin

@@capellaacademy So, nun gehts ans Eingemachte! Nur die Innungen durften den Meisterbrief vergeben, die Kirche durfte nicht. Trotzdem verstand sich Bach als Meister, es gab nur diese Möglichkeit. Der Meister musste auf Verlangen alles vormachen und zeigen, daß es geht. Die Kunst der Fuge war zwar nicht zur Aufführung gedacht. Trotzdem muß der Meister alles vormachen können. Spielen Sie nun die Kunst der Fuge auf der Orgel. In der Mitte stoßen Sie auf einen einzelnen Ton, den Sie nicht greifen können. Seit 200 Jahren stoßen Organisten an diese Stelle, ebenso Cembalisten. Consorts können nicht aufführen wegen Ambitusproblemen. Streichquartett gab es damals noch nicht, ebenso wenig Klavier. Zwischenzeitlich muss ein Milionenheer auf dieses Problem gestoßen sein! Die Lösung ist einfach. Untermanual 8', Obermanual 4'. Wenn dieser Ton kommt, nimmt man den Daumen vom Obermanual und setzt ihn auf das Untermanual. Genau dort befindet sich der Ton. So, jetzt können Sie Millionen von Musikern als Nachtkappen erkennen. Nur Bach war nicht so trübe. So wollen Sie ihn ja sehen.

Hallo und danke für diese kluge Frage - du hast dich offenbar schon intensiv mit der Materie beschäftigt. Grundsätzlich breiten sich Schallwellen immer in alle Richtungen aus. Das heißt: vom Labium nach "draußen" und vom Ende der Röhre (dem ersten offenen Loch bei einer Flöte) breiten sich die Schallwellen kugelförmig in alle Richtungen aus. An diesem ersten offenen Loch einer Flöte lohnt sich ein genauer Blick: Hier tritt also eine Schallwelle aus der Röhre vom Labium kommend aus. Sie hat jetzt zwei Wege: den Weg durch das offene Loch nach draußen UND weiter in der Röhre geradeaus. Den Teil der Schallwelle, der nach draußen entschwindet, haben wir im Video schon gesehen. Ein Teil der Schallwelle pflanzt sich aber auch in dem restlichen Rohr der Flöte fort. Diese Teilung der Schallwelle vollzieht sich an jedem offenen Loch bist zum Ende des Rohres. Und bei jedem offenen Loch findet auch der Vorgang statt, der im Video gezeigt wird: Ein Teil der verbliebenen Schallwelle wird zurückgeworfen. Und diese Unterdruckwellen laufen durch das Rohr wieder zurück und vollziehen diese Teilung erneut bei jedem offenen Griffloch. Es ergibt dadurch ein komplexes Schwingungsmuster mit mehreren Über- und Unterdruckwellen. Bei einfachen Flötengriffen, bei denen ab einem bestimmten Loch alle Löcher offen bleiben, hat die ursprüngliche Druckwelle so viele Löcher, an denen ein Teil von ihr entweichen kann, dass der Einfluss dieser vielen Rückläufer eher gering ist, weil sich die Druckwelle so oft teilt und entsprechend schwach zurückkommt. Bei einem Gabelgriff sind aber die geschlossenen Abschnitte hinter dem ersten offenen Loch länger. Zudem sind weniger Löcher offen - dadurch kommt von dem zweiten geöffneten Loch eine stärkere und spätere Unterdruckwelle zurück und beeinflusst das Geschehen im ersten Rohrabschnitt. Durch diese gegenseitige Beeinflussung entsteht ein anderer Klang - und meist auch ein geringfügig anderer Ton (mit anderer Frequenz), als wenn man nach dem ersten Loch alle Löcher offen lässt. Die Mattheit im Klang rührt von den Teiltönen her, die der zweite Rohrabschnitt beisteuert. Diese müssen nicht zum ersten Rohrabschnitt passen. Was das mit den Teil- bzw. Obertönen auf sich hat, erfährst du in folgendem Video (anhand eines Jagdhorns - funktioniert bei der Flöte aber analog): ruclips.net/video/XxveLyF66sE/видео.htmlsi=yKwXSc5zFal78lTU Ich hoffe, du kannst dem einigermaßen folgen. Ansonsten frage gern nach. Ich kann auch versuchen, noch einmal eine Simulation zu erstellen, welches Schwingungsbild ein solcher Gabelgriff erzeugt. Dann sollte man den Unterschied auch deutlich sehen können. Viele Grüße, Martin

Danke für dieses Kompliment! Liebe Grüße, Martin

Hallo Marina, deine Frage lässt sich nicht so einfach mit ja oder nein beantworten, darum muss ich ein paar Worte mehr schreiben. In dem frühen Stadium dieser Videoserie stelle ich die einzelnen Prinzipien des Tonsatzes nach und nach vor. Das erste Prinzip: Alle Töne einer Harmonie müssen erklingen (jeder Dreiklangston muss von mindestens einer Stimme gesungen werden). Das kontrollieren wir bei jeder einzelnen Harmonie. Die zweite Regel ist: Der Grundton erklingt doppelt. Von dieser Regel wird es später Ausnahmen geben. Für den Moment wollen wir sie der Einfachheit halber konsequent einhalten. Das sind - für den Moment - die "Leitplanken", in denen wir uns bewegen. Was ich anhand des Beispiels im Video demonstriere, ist eine sinnvolles Schritt-für-Schritt-Vorgehen, wie man von einer Melodie (mit Harmonisierung) zu einem vierstimmigen Tonsatz kommt, der diese Regeln einhält. In diesem Video sind das folgende Schritte: - Grundton der Harmonie in den Bass - weitere Harmonietöne in den Mittelstimmen eng unter dem Sopran ergänzen - Nachkontollieren, dass alle Harmonietöne vorhanden sind und der Grundton verdoppelt ist. Dieses Vorgehen ist natürlich nur ein Vorschlag; man kann auch anders an den Tonsatz gehen und trotzdem alle Regeln mustergültig befolgen. Ich finde es aber sinnvoll, sich für den Anfang an diese Routine zu halten, weil sich die Harmonie in einem solchen Tonsatz tatsächlich vom Bass her aufbaut. Ich hoffe, das beantwortet deine Frage. Wenn noch Unklarheiten bestehen, frage gern nach. Beste Grüße, Martin

Singst du auch dazu?

ganz lieben Dank für die Rückmeldung. Wenn du einmal Fragen hast oder bei einer Übung nicht weiterkommst, melde dich gern! Beste Grüße, Martin

Hallo und danke für deine Anmerkung. Die Satztechnik, die du beschreibst, nennt man "close harmony" (Arrangement in enger Lage). Vor allem im Jazz, Pop- und Gospelbereich ist sie sehr verbreitet, aber auch im bayerischen "Dreigesang". Dabei werden die Unterstimmen unter der melodieführenden höchsten Stimme ALLE in enger Lage geführt. Auch die tiefste Stimme orientiert sich daher an der Melodie. Hier liegt der Unterschied zu dem Choralsatz, wie er in dieser Videoserie vermittelt wird. Im Choralsatz bewegt sich die Bassstimme oft in Gegenbewegung zur Melodie und ausschließlich von der Harmonie bestimmt. Meist wird die close harmony für drei gleiche Stimmen (drei Frauen oder drei Männerstimmen) gesetzt. Das Besondere: Die Regeln sind so einfach, dass es geübten Ensembles sogar gelingt, zu einer Melodie die close Harmony zu improvisieren. Das ist beim Choralsatz nicht machbar. Dafür ist es in der close harmony schwierig, für einen gemischten Chor oder mehr als drei Stimmen zu setzen, wie du es auch beschreibst (Stichwort Oktavparallelen). Du siehst - es gibt verschiedene Arten, einen Arrangement zu schreiben. Welche konkret in einer bestimmten Situation am besten klingt und zu dem Musikstil passt, das macht die Kunst des Tonsatzes aus. Find es klasse, dass du dich damit so intensiv auseinandersetzt und dich hier in den Kommentaren meldest. Viele Grüße, Martin

Ja, das kannst du machen. Ich kann allerdings keinen Tonsatzunterricht geben (zumindest nicht per RUclips-Kommentar oder Email). Was ich dir anbieten kann: Du schickst mir dein freies Arrangement zu dem von dir selbst ausgesuchten Lied. Ich schaue mir das Arrangement an an und gebe dir Feedback zum Tonsatz. Was mir dabei hilft: Wenn du die Harmonien selbst bezeichnet (in welcher Harmoniebezeichnungsweise du das tun möchtest, kannst du selbst entscheiden). Passt das für dich? Viele Grüße, Martin

Die kannst du dir ganz leicht selbst als PDF erstellen. Lad die capx-Datei runter, die verlinkt ist, installier den capella reader (ist kostenlos für Mac, Win, Android und iOS), öffne damit die Datei und geh auf Datei - Exportieren als - PDF, bzw. auf dem Smartphone Teilen - als PDF.

Du kannst dir die PDF auch selbst generieren: capella reader laden (kostenlos - Link unter dem Video), capx-Datei laden (Link ebenfalls unter dem Video), reader installieren, capx Datei öffnen und als PDF exportieren. Den reader gibts auch kostenlos für Smartphones. Dort ist die PDF-Export-Funktion unter Teilen - PDF zu finden.

Hallo und danke für das positive Feedback. Wie ein anderer Nutzer bereits geschrieben hat, kannst du dir die Übungsblätter selbst ganz einfach als PDF generieren. Wenn das für dich nicht möglich ist, schreib gern eine Nachricht über das Kontaktformular auf capella-academy.de/ Viele Grüße, Martin

Dank dir für die positive Rückmeldung. Die Grafiken haben bei dem Video auch besonderen Spaß gemacht, weil das Thema echt komplex ist. Viele Grüße, Martin

Danke für die positive Rückmeldung!

Hallo und danke für das Feedback. Zu deiner Frage kann ich leider nur eine Vermutung aufstellen: Je nach Tempo kann es hilfreich sein, das Metronom auf das doppelte oder halbe Zeitmaß zu stellen, wenn man bestimmte Zwecke beim Einstudieren verfolgt. Beispiel: Wir haben ein Stück in 4/4-Takt mit einem Tempo von 80 Vierteln pro Minute. Stellt man das Metronom auf 160 Ticks pro Minute ein, dann "ticken" nicht die Viertel, sondern die Achtel. Das macht es manchmal einfacher, einen komplizierten Rhythmus zu zählen (z.B. lässt sich der Rumba-Rhythmus dann einfach 3-3-2 zählen). Umgekehrt tickt ein Metronom in unserem Beispiel nur alle halben Noten, wenn es auf 40 Ticks pro Minute eingestellt ist. Dadurch wirkt die Melodie, die man Spielt "menschlicher" und nicht so zerhackt (denn bei den meisten Rhythmen ist eine kleine Abweichung vom ganz präzisen Schlag das gewisse "Extra"; Extrembeispiel: der Wiener Walzer). Auch beim Dirigieren geht man je nach Tempo meist dazu über, Zählzeiten zusammenzufassen. Statt eines Vierers dirigiert man dann meist einen halb so schnellen Zweiertakt. Das ist aber nur eine Vermutung. Was konkret die Angabe in deinem Beispiel bedeutet, kann ich dir bestenfalls mit der Quelle vor Augen recherchieren. Viele Grüße, Martin

@@capellaacademy Klingt irgendwo einleuchtend. Man kennt's ja "eins und zwei und...". Das wär dann die doppelte Weise. Metronom hatte ich im übrigen noch nie. Und die ersten Jahre durfte ich auch nicht mit Rhythmusmaschine spielen. An der gab's auch keine Zahlen, nur ein Drehknopf. Die von dir erklärten Tempi hab ich auch nie gelernt. Seltsam. Wie haben wir das gemacht?🤔😅 Nach Gefühl. Wie man das Lied halt kannte. Metronom trainiert sicher gut die Tempofestigkeit...wenn keinen tempofesten Schlagzeuger hat ;) Die Quelle meiner Angaben? Praktisch jedes Lied, wo ich bpm suche. Wie immer: gute Quelle vorausgesetzt. Denn bei meinem aktuellen hatte ich erst den doppelten Wert gelesen. Dann aber schnell gemerkt, dass was faul ist. Nochmal recherchiert, und dann den richtigen (also halben) Wert gefunden. Und da steht nie, wozu die anderen Werte gut sind.

Also falls mir mal ein noch plausiblerer Grund über den Weg läuft, warum man neben dem "richtigen" auch das doppelte bzw. halbe Tempo angeben könnte, melde ich mich noch mal. Ist auf alle Fälle ein neuer Aspekt für mich - danke für den Kommentar! Martin

@@capellaacademy Hätte im Leben nicht erwartet, dass deine Videos mich dermaßen triggern😂 Hab einen Forumsbeitrag gefunden - sonst nirgendwo erklärt. Der erklärt es in etwa wie du; allerdings durchaus in ein und demselben Stück. Das Schlagwort ist "gefühlt". Und zwar je nach Spur/Part. Es nennt sich "half(feel)time" oder eben "double(feel)time", je nachdem mit welchen Tonwerten der Part arbeitet. Wer die Viertel spielt/fühlt, ist im Normalmodus. Wer mehr Achtel hat, eben im doppelten Modus. Interessant an seiner Erklärung ist, dass sich nach eben diesem "Gefühl" auch Betonungen (der jeweiligen Parts) ändern können. Und das kenne ich aus dynamisch anspruchsvollen Liedern durchaus. Und nicht zuletzt in meinem geliebten Techno, wo ja jede 1/4 betont wird. Klassisch betrachtet wäre das (unsinnigerweise) eine vierfach-gefühlt-Zeit...die aber sehr wohl "fühlbar" ist in den (sehr schnellen) Begleit-Arpeggios. Die sind eine Kunst und Wissenschaft für sich. Macht das also Sinn? Auf jeden Fall!!!

@@capellaacademy Krasses Beispiel gefällig? Alan Walker "Faded". Da fühlst du beides gleichzeitig, und genau das! macht auch den Reiz aus!!! Wird im übrigen auch entsprechend getanzt. Durchweg 90bpm (nennen wir Cracks "Downtempo/Downbeat") ... am Anfang klarer Fall. Ab 0:40 kommt dann die Begleitung in's Spiel ... mit doppeltem Schlag. Wenn man's selbst mal arrangiert/spielt, wird's noch krasser deutlich...wie die Knie anders zucken als die Füße ;)

Gerne - ich freu mich wenn das Video weiterhilft! Viele Grüße, Martin

Hey, das freut mich sehr, wenn dir das Video geholfen hat. Falls mal etwas unklar ist oder du ne Frage dazu hast, schreib gern hier in die Kommentare. Viele Grüße, Martin

@@capellaacademy Du bist ein guter Pädagoge, weisst wie man was erklärt. Ich war selber Fussballtrainer, das ist gar nicht so einfach. Es gibt no so viele Fragen zu Musik, aber ich schaue mir mal Deine Clips an, da bin ich schon mal beschäftigt. Ich bin zwar nicht so der Religiöse, aber Musik und Kirche, da ist eine Bindung, welche immer wieder sehe. Ich war mal mit einem Didgeridoo in der Kirche für mich ganz allein am spielen mit einem Zuschauer :) oder so Chorstimmen. Glockenfan bin ich auch :) Pendel Schwingungen. Hast Du offizielle Mail oder so? Offizieller Kontakt? Ich bin Organisator von einem Event ;) da geht es um Musik.

Wenn du direkt in Kontakt treten möchtest, nutze am besten das Kontaktformular auf der Webseite www.capella-software.com/de/index.cfm/aktuelles/capella-academy/ => einfach ein Stück runterscrollen und das Formular ausfüllen (wichtig: vergiss deine Email-Adresse nicht, sonst kann ich nicht antworten). Damit erreichst du mich direkt. Viele Grüße, Martin

Das ist genau meine Überzeugung und mein Anspruch in den Videos. Ich hoffe, ich kann dem weitgehend gerecht werden. Falls nicht (also wenn mal etwas unklar geblieben ist), frag gerne nach. Beste Grüße, Martin

Herzlichen Glückwunsch zum Abi - ich freu mich, wenn die Videos dir geholfen haben. Weiterhin viel Erfolg und viel Freude mit der Musik! Beste Grüße, Martin

Hallo und danke für deinen Kommentar. Du hast vollkommen Recht: Musiktheorie BRAUCHT man nicht, um Musik zu machen. Von daher ist es vollkommen OK, wenn du dich nicht um die Frage kümmerst, wann du welche Variante der Molltonleiter verwendest. Um deine Frage zu beantworten: Die Variante, die du als "Moll" kennst, ist das reine (bzw. authentische) Moll. Die zugehörige Molltonleiter verwendet die gleichen Töne, wie die zugehörige Durtonleiter. Die beiden Varianten (harmonisches bzw. melodisches Moll) wurden und werden in vielen Liedern und Musikstücken in bestimmten harmonischen bzw. melodischen Situationen durch zusätzliche Vorzeichen gebildet. Welche typischen harmonischen Situationen das sind, wird im Video erklärt. Viele Leute kommen mit diesen verschiedenen Spielarten des Moll allerdings nicht durch praktisches Musizieren in Berührung wie du, sondern lernen diese Begriffe im Musikunterricht in der Schule kennen. Für alle, denen bei diesen trockenen Begriffe noch keine Beziehung zu konkreten Beispielen haben, versucht das Video typische Situationen nachzuliefern. Im Zusatzmaterial gibt es noch eine ganze Reihe weiterer Beispiele. Bei dir ist es ganz offenbar umgekehrt. Du kennst sicher jede Menge Beispiele, hast aber die Theoriebegriffe noch nicht gehört. Das ist nicht schlimm. Aber wenn es dich interessierst, kannst du mir gerne einige Stücke die du in Moll kennst/spielst (vorzugsweise mit Link) als Antwort schicken und ich hör mal rein, ob sich an der ein oder anderen Stelle die harmonische oder melodische Molltonleiter erklingt. Auf alle Fälle danke für dein Interesse am Thema und dass du auf meinem Kanal vorbeigeschaut und einen Kommentar geschrieben hast. Viele Grüße, Martin

@@capellaacademy Herzlichen Dank, auch dafür, dass du mich offensichtlich nicht "falsch" verstehst. Musikalisch bin ich ein Freund ALLER Welten (siehe Kanal). Nicht unbedingt, was die entsprechenden "Szenen" angeht; da aber zumindest respektvoll. Auf das Thema bin ich gekommen, weil mich ein Abonnent - dem ich Übungen empfohlen habe - danach gefragt hat. HÄÄÄ???😮🤣 Ich habe dein (sehr gutes!) Video natürlich studiert. Allerdings gelingt mir da keinerlei Verbindung zu meiner (rein praktischen) Welt. Keine Ahnung ... nur im klassischen Bereich ... auch im Schlager, Techno? Keinen Plan. Dazu musst du wissen, dass ich i.d.R. nach Gehör spiele. Und selbst dann nehme ich mir die Freiheit der Gestaltung ... Musik=Freiheit; und "Arrangement" ist etwas, dass man als "Alleinunterhalter" (mein Unterricht) lernt. Das ist eine eigene Wissenschaft (inkl. Tricks/Technik usw.). Ich nutze verstärkt Noten seit ich mit dem Synthesizer arbeite. Schlicht, um alles herauszuarbeiten, was an den Seiten abläuft (Begleitung etc.). Theorie im Orgelunterricht (eOrgel) ist/war rudimentär. Die Bedienung dieses umfangreichen Instruments erfordert erheblich mehr Aufmersamkeit. Bei Flöte ist das sicher anders. und ein Klavier hat auch nur eine Reihe Tasten. Da hat man Raum für "mehr" ;) Schule: Gymnasium. Theorie: Tonleitern. Der Rest war irgendwelche Stile aus allen möglichen Zeiten zu hören. Also mehr Geschichtsunterricht. Kurzum: wenn ich nicht gerade gezielt nach Akkordfolgen suche, weiß ich NIE, in welcher Tonart ich spiele. Ich höre, ich spiele nach. Ich lese Noten, ich spiele nach. Ich bin keineswegs ignorant. Sonst wär ich nicht bei dir hier. Und ich lerne seit Jahren mit Eifer komplett neue Sachen ... Synthesizer, DAW, Schnittprogramm und all den technischen Kram. Und jetzt kommt der Hammer: ich komponiere auch. Mit 5-6 Akkorden und Tonartwechsel. Und hab nicht den blassesten Schimmer, welche Tonart ich spiele. Das Maximum, das ich benennen kann ist die korrespondierende Dur-Tonart... aber nur, weil ich die als Fingerübungen millionenfach abdudeln musste als Kind😭🤣

Hallo @ChordFreak, deine Geschichte ist meiner gar nicht so unähnlich. Nach ein paar Jahren Klavierunterricht im Kindesalter habe ich die Musik erst einmal an den Nagel gehängt, weil ich mit meiner Klavierlehrerin nicht klarkam. Ich habe dann "heimlich" weiter Klavier gespielt - ausschließlich nach Gehör. Und irgendwann fiel mir dann ein Harmonielehrebuch in die Hand und ich hab entdeckt, dass sich die Muster und Harmoniefolgen, die ich mir selbst zusammengereimt habe, präzise beschreiben lassen. Das hat mir dann viel geholfen, als ich einen Chor gegründet und für das Ensemble Lieder arrangiert habe. Spätestens dafür war es dann ganz praktisch, etwas Musiktheorie zu beherrschen. Das hat Welten eröffnet, genauso wie es Synthesizer, Sequenzer und DAWs können. In diesem Sinne beste Grüße und danke für das Weiterempfehlen des Kanals, Martin

@@capellaacademy Tolles Gespräch👍 Frage: du hast nicht zufällig eine Sängerin mit weicher Stimme, die Lust hätte mit mir aus reinem Spaß an der Freude ein Projekt zu machen? Amateurmäßig. Ist ja "nur" mein liebstes Hobby. Eigenes Lied von mir.

Leider kann ich dir da nicht helfen. Den RUclips-Kanal mach ich weitgehend in Eigenregie. Viele Grüße, Martin

Vielen Dank für deine positive Rückmeldung. Solche scheinbar einfachen Fragen waren die Motivation, diesen Kanal zu starten. Wenn du ähnlich gelagerte Fragen hast, die noch nicht beantwortet sind, gib gern Bescheid. Viele Grüße, Martin

Kann ich das im Video machen? Für 3/2 Takt

Ja, das funktioniert: Das Dirigierbild orientiert sich allein an der Anzahl der Zählzeiten. Alle Takte mit drei Zählzeiten haben das Dirigierbild, das ich in diesem Video zeige - also auch der 3/2 und 3/8-Takt. Viel spaß beim Dirigieren und Musizieren, Martin.

Hallo und danke für deine Frage. In dieser Harmonisierung wird (nur) jeder neue Takt mit einer neuen Harmonie versehen. Das so zu machen, ist letztlich eine stilistische Entscheidung, kann aber verschiedene Ursachen haben: Eine neue Harmonisierung bei jedem Takt betont den tänzerischen Charakter des 3/4-Takts (wenn jede einzelne Note individuell harmonisiert wird, klingt es schnell wie ein Kirchenchoral). Oder diese Harmonisierung ist für eine gezupfte Gitarrenbegleitung gedacht. Da macht es mitunter Sinn, die Harmonie nur von Takt zu Takt zu wechseln, damit für jede Harmonie das komplette Zupfmuster eines Taktes durchgespielt wird. Das A erklingt auf die unbetonte dritte Zählzeit des Taktes. Da ist es mitunter akzeptabel, keine neue Harmonisierung einzufügen. Die Klavierbegleitung, die kurz im Video anklingt, folgt genau den Akkorden. Und auch wenn das A dadurch in Dissonanz zur Begleitung erklingt, stört das den Gesamtcharakter nicht. Ganz anders wäre es, wenn z.B. im dritten Takt statt G-Dur (das perfekt zum Melodieton h an dieser Stelle passt) eine unpassende Harmonie (wie etwa C-Dur) erklingen würde: Auf die betonte erste Zählzeit eines Taktes klingt es besser, eine "passende" Harmonie zu wählen. Ich hoffe, das beantwortet deine Frage einigermaßen zufriedenstellend. Ich bin echt beeindruckt, wie gründlich du dieses erste Beispiel in der Serie angeschaut und durchdacht hast. Es ist eigentlich sich nur zur Illustration gedacht (um zu motivieren, dass wir nicht mit Akkordsymbolen sondern mit der Benennungsweise der funktionellen Harmonielehre arbeiten). Aber deine Frage trifft einen sehr interessanten Punkt: Wie findet man eine stilistisch passende Harmonisierung - abhängig von der Melodie, aber auch der Art der Begleitung und dem gewünschten Charakter eines Arrangements. Vielleicht mach ich dazu noch mal ein Video... Beste Grüße, Martin

Danke für die positive Rückmeldung. Beim Sound werde weiter optimieren (hab bisher nur einen Tiefpassfilter und eine leichte Dämpfung der oberen Höhen drin - offenbar ist da noch Luft nach oben). Danke für das Feedback! Martin

@@capellaacademy inhaltlich alles vom feinsten, hilft mir sehr - vielen Dank für die Arbeit :) nur die Zischlaute kommen etwas raus, alles andere 1 +

🙏

Hallo und ganz herzlichen Dank - sowohl für das positive Feedback als auch die Korrekturanmerkungen. a) ist ein Tippfehler, es muss D stehen (eine Harmonisierung als T wäre zwar möglich, klingt aber nicht so dolle). b) Gut beobachtet! In Folge 6 dieser Serie (ruclips.net/video/3fBLQYc6Vls/видео.html ) wird die Möglichkeit gezeigt, dass - wie an dieser Stelle - auch die Quinte verdoppelt werden kann. Aber das sollte natürlich nicht in einer Musterlösung für Folge 4 auftauchen. Korrekt wäre, wenn der Tenor statt abwärts auf das c nach oben auf das f springt. Das ist von der Melodieführung für den Tenor ein wenig schwerer, weil er auf die letzte Viertel in diesem Takt nun vom hohen f auf das a nach unten springt, aber das ist allemal singbar. Tatsächlich war die einfachere Melodieführung für den Tenor der Grund, warum ich in der bisherigen Lösung von der Quintverdopplung Gebrauch gemacht habe. Ich habe das Arbeitsblatt und die Musterlösung korrigiert. Das Hochladen auf den Server dauert noch einige Stunden bzw. ggf. bis Montag, aber dann sollte alles passen. Vielen Dank auf alle Fälle für das aufmerksame Durcharbeiten. Wenn du auf solche Fragen stößt, bist du entweder schon Profi oder hast auf jeden Fall verstanden, was die Videos vermitteln wollen. Wenn du mal Fragen, Anregungen oder weitere Korrekturbedarfe siehst, schreib gern wieder in die Kommentare. Beste Grüße! Martin

​@@capellaacademy Ich habe zu danken (und alle die mitmachen). Irre dass du das noch korrigiert hast! Ich dachte dass zukünftige Autodidakten meinen Kommentar nutzen könnten, denn zu Beginn einer Übung schau ich schonmal in die Lösung um Folgefehler zu vermeiden und zumindest der Tippfehler zu Beginn hatte mich zuerst stark aus der Fassung gebracht. Diese Serie ist für mich der Einstig in die Musiktheorie, endlich kann ich mal mitreden bei Tonika und Subdominante (ist diese Reihe eig Schulwissen oder 1.Semester Hochschule? - mich interessiert in welchem Zeitumfang dieses Wissen sonst gelehrt wird). Das Lob gebührt dir für die Aufbereitung der Materialien. Extrem hilfreich fand ich zu Beginn den Vergleich mit Sudoku. Morgen will ich gern die 2. Aufgabe 'quem pastores laudavere' machen.Und dann kommen schon Dissonanzen yeah :D

Hallo nochmal, also für mich ist es selbstverständlich, Dinge zu korrigieren, wenn ein Fehler drin ist - zumal es ja im digitalen Zeitalter um Längen einfacher ist als wenn es ein Buch wäre. Zu deiner Frage: In manchen Bundesländern ist der vierstimmige Chorsatz Lehrplanstoff in der Sekundarstufe 2 (also Klassen 11-12/13), allerdings meist auf einem recht einfachen Niveau. Ich selbst bin mit Tonsatz das erste Mal im Theorieunterricht in der Musikschule in Berührung gekommen, wo wir über etwa ein Jahr hinweg in Harmonielehre und Tonsatz unterrichtet wurden. Natürlich haben wir in dieser Zeit noch ne Menge andere Sachen lernen dürfen. Und das dritte Mal wurde ich im Studium unterrichtet. Der Stoff dieser Serie wurde da innerhalb weniger Monate Einzelunterricht vermittelt. Die Unterrichtszeit ist aber eine ziemlich relative Sache, weil der wesentliche Teil die Hausaufgaben sind, die man selbst macht. Wie beim Sodoku-Lösen: Die Regeln sind recht schnell erklärt. Aber es braucht Übung und Instinkt, ein Sodoku erst zu lösen. Und da endet auch die Gemeinsamkeit: Beim Tonsatz kommt noch ein wenig Stilempfinden dazu, denn neben richtig und falsch (d.h. entsprechend den formulierten Regeln oder eben nicht) gibt es auch noch andere Kategorien (leicht musizierbar, klangschön, originell, künstlerisch einzigartig...), die sich schwer "pauken" lassen. Diese Serie ist insofern als Einstieg gedacht. Übrigens: In Folge 8 gibt es am Ende eine "freie" Tonsatzaufgabe mit dem Angebot, die eigene Lösung einzuschicken und persönliches Feedback zu bekommen - das Angebot ist ernst gemeint ;-) Ich bin gespannt. Und falls es unterwegs Fragen gibt oder du noch weitere Ungereimtheiten findest, schreib wirklich gern. Ich bin da echt dankbar für. Beste Grüße und weiterhin gutes Vorankommen, Martin

Hallo Martin, cool cool cool und vielen Dank! Hab die letzte Übung mal mit kostenloser Software aufgeschrieben und hochgeladen. Die Lösung ruclips.net/video/vKr_Drn20r0/видео.htmlfeature=shared Hab ein paar Terzverdopplungen, Quint- und Septakkorde drin und bin mit der Tenorstimme nicht ganz zufrieden, aber generell schon, ausgenommen das Dis aber jetzt ist es so^^. Beim nächsten Mal werd ich versuchen das mit Notenhälsen nach unten in 2 Notenlinienblocks aufzuschreiben und die Harmonisierung noch dazu einzutragen. Das probier ich dann aber gleich mit capella start.

Servus und guten Abend, zunächst: Die Übungsdateien sind korrigiert und die Download-Links aktualisiert (ggf. den Browsercache löschen, falls noch die alten Dateien zwischengespeichert sind). Was sich allerdings nicht korrigieren lässt, ist das Video - dort wird weiterhin die alte Version sichtbar bleiben... Zu deinem Chorsatz: Das ist schonmal ein guter Start - und deine Harmonisierung zeigt, dass du schon echt gut in Harmonien denken kannst. Zwei Tipps, wie du in der zweiten Phase, dem Tonsatz, noch auf das gleiche Level aufschließen kannst: 1. Singe mal die einzelnen Chorstimmen oder höre sie dir zumindest mal solo an und versuche sie nachzusingen. Das kostet zwar ein wenig Zeit, aber es zeigt dir schnell, ob sich eine Stimme leicht singen lässt. Besonders schwierig zu singende Stimmen sehe ich zum Beispiel im Tenor beim Wechsel von Takt 5 auf 6 (ein Tritonus abwärts) und im Alt in den Takten 10-11 (Halb- und Ganztöne in ungewohnter Folge). 2. Achte auf Oktav- und Quint-Parallelen: Die sind in einem klassischen Chorsatz "verboten" (Hintergründe erfährst du in diesem Video: In deinem Chorsatz gibt es einige davon: Z.B. singen Sopran und Bass in den Takt 3 und 5 exakt die gleichen Töne im Abstand von zwei Oktaven - was gleichbedeutend mit einer Oktavparallele ist. Auch später gibt es mehrere Stellen zwischen den Stimmen, an denen sie ihre Eigenständig verlieren. Kurz vor Schluss singen zum Beispiel Alt und Sopran kurzzeitig die gleiche Melodie. Es gibt auch ein Video, wo ich gezielt Tipps gebe, wie man durch eine geschickt komponierte Bassstimme solche Parallelen vermeiden kann: ruclips.net/video/LGw0tHhOe7c/видео.htmlsi=K1oMW5wsVuLtbqV5 Wenn du möchtest, kannst du dein Arrangement noch mal überarbeiten. Wenn du nen strengen Lehrer suchst, schau dir mal tonica an - zumindest die kostenlose Testversion oder einen Monat lang als Abo. Das markiert dir genauso geduldig wie unnachgiebig alle Verstöße gegen die traditionellen Tonsatzregeln in deinen Chorsätzen: www.capella-software.com/de/index.cfm/produkte/tonica-fugata/info-tonica-fugata/ Ansonsten bin ich natürlich auch auf weitere Arrangements und Kommentare von dir gespannt. Gutes Gelingen und viel Spaß beim Musik-Sudoku! Martin

Vielen Dank für die positive Rückmeldung. Es gibt ein Kontaktformular auf der folgenden Webseite: www.capella-software.com/de/index.cfm/aktuelles/capella-academy/ Damit erreichst du mich direkt. Viele Grüße, Martin

Danke Martin, für die schnelle Antwort! Ich habe dir eine Nachricht zur Website geschickt, ich hoffe, sie ist angekommen. L.G.

Danke dir für das Feedback! Dann drück ich dir mal die Daumen und wünsch dir viel Erfolg. Falls du noch Fragen hast, schreib gern in die Kommentare. Beste Grüße, Martin

😂 Wohl wahr - danke für den Kommentar - made my day.

Hallo und danke für die Rückmeldung. Hab das Übungsblatt eben nochmal über den Link runtergeladen und keinen Unterschied zum Video festgestellt. Hier nochmal der Link: www.capella-software.com/de/assets/File/Singen_auf_den_ersten_Blick_-_Hauptdreikl%C3%A4nge_Dur.capx Übrigens findest du alle Übungsblätter auch auf dieser Internetseite: www.capella-software.com/de/index.cfm/aktuelles/capella-academy/singen-auf-den-ersten-blick/ Falls du noch einen Unterschied zum Video siehst, kannst du gern auch per Kontaktformular bescheidgeben: www.capella-software.com/de/index.cfm/aktuelles/capella-academy/ Beste Grüße und viel Erfolg beim Üben! Martin

Glaub ich gern, dass "richtige" Trompeter da ins Schmunzeln kommen, wenn ich versuche, auf dem alten Jagdhorn meines Großvaters einen Ton zu produzieren (das war mir schon bei der Aufnahme sehr bewusst). Und danke dir für deine Ergänzungen! Du hast vollkommen recht, dass es bei größeren Instrumenten leichter wird, auch höhere Obertöne jenseits des 8. zu produzieren: Die längere Röhe eines Alphorns oder einer Barocktrompete führt erstmal dazu, dass der Grundton tiefer ist. Dadurch sind auch die Obertöne tiefer (also der zweite Teilton beim Alprhorn ist tiefer als der zweite Teilton auf dem kleinen Jagdhorn usw.). Und da die Lippen unabhängig von der Röhrenlänge in ähnlichen Frequenzbereichen schwingen können, erreicht man bei einer längeren Röhre also höhere Vielfache der (tieferen) Grundfrequenz. Ich bin mir allerdings unsicher, ob man auf einem Alphorn oder einer Barocktrompete / Parforcehorn tatsächlich auch den (relativ tiefen) Grundton (Pedalton) spielen kann, wie auf einer modernen Trompete. Womöglich mit dem passenden Mundstück...? Zu Demonstrationszwecken war das Jagdhorn denke ich ganz passend (ohne Grifflöcher, Ventile oder Klappen), zumal es das einzige Blechblasinstrument war, das ich griffbereit hatte. Zum Glück hat eine trompete spielende Freundin geholfen, die Naturtonreihe einzuspielen. Ein Versuch meinerseits hätte sicher zu noch größerer Heiterkeit geführt ;-) Beste Grüße und danke für den Kommentar, Martin

Vielen Dank für deinen Kommentar - ich freu mich, wenn dir die Videos helfen. Und morgen drück ich dir alle Daumen, dass die Prüfung gut läuft: Toi toi toi, Martin

Danke für die nette Rückmeldung. Falls mal irgendwas unverständlich bleiben sollte, schreib deine Fragen dazu gern in die Kommentare. Viele Grüße, Martin