Видео

Brabo

Está errado isso aí man

The Cranberries: Uma Viagem pelo Rock Alternativo Se você curte rock alternativo dos anos 90, com certeza já ouviu falar dos The Cranberries. Essa banda irlandesa, formada em 1989, conquistou o mundo com seu som único e a voz inconfundível de Dolores O'Riordan. Com Noel Hogan na guitarra, Mike Hogan no baixo e Fergal Lawler na bateria, eles criaram hits que marcaram uma geração. Hoje, vamos mergulhar na história de uma das suas músicas mais icônicas: "Linger". “Linger” é uma das músicas mais conhecidas dos Cranberries, lançada em 1993 no álbum de estreia “Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?”. A canção foi escrita por Dolores O’Riordan e Noel Hogan, e é famosa por sua melodia suave e letras introspectivas. Dolores escreveu “Linger” inspirada em uma experiência pessoal, um amor não correspondido que deixou uma marca profunda. O álbum foi um sucesso instantâneo, catapultando os Cranberries para a fama internacional. Além de “Linger”, o álbum também inclui outros hits como “Dreams”. Produzido por Stephen Street, o álbum é uma mistura perfeita de melodias cativantes e letras profundas. A banda, formada pela icônica Dolores O’Riordan, a voz inconfundível dos Cranberries, trouxe uma intensidade emocional às músicas da banda. Noel Hogan: Guitarrista e co-compositor, ajudou a definir o som característico da banda. Mike Hogan: No baixo, forneceu a base rítmica sólida que sustentava as melodias. Fergal Lawler: na batera, completa a formação com seu estilo preciso e energético. Você sabia? “Linger” foi o primeiro grande hit da banda, alcançando o top 10 nos EUA e no Reino Unido. Seu clipe foi filmado em preto e branco e é uma homenagem ao filme “Alphaville” de Jean-Luc Godard. Em 2017, a banda lançou uma versão acústica de “Linger” no álbum “Something Else. The Cranberries deixaram um legado Importante no mundo da música, e foram referência significativa no rock dos anos 90.... "Linger" é um testemunho do talento e da paixão da banda. Rente a mim um período bem bacana da minha adolescência, eu espero que vocês curtam essa música tanto quanto eu curto ouvi-la! Foi divertida a experiência em reproduzi-la. Infelizmente, a vocalista Dolores O’Riordan faleceu em janeiro de 2018, o que levou ao fim oficial da banda após o lançamento do álbum “In the End” em 2019. Realmente uma perda irreparável para o mundo mobilizado da música. Espero que gostem! Bora tocar✌🏽🎸

Awesome cover you are an awesome bassist

Muito foda 👏🏼

Vc Mandou muito bem !!! Eu ficaria tocando essas Frases por horas... Essa linha de baixo e sintetizador sao incríveis!!!

Otimo gosto musical 😉 adorando seus vídeos. Quem sabe me empolgo novamente 😊❤

Q saudades de qdo eu tocava baixo ❤

Olá turma! Segue novo vídeo com a banda Nirvana, mais um som do acústico MTV gravado em 1993. Versão da música Oh me da banda meat puppets, que foi grande influência do Kurt Cobain Espero que gostem! Bora tocar!

Olá turma! Segue novo vídeo com a banda Nirvana, mais um som do acústico MTV gravado em 1993. Versão da música Oh me da banda meat puppets, que foi grande influência do Kurt Cobain Espero que gostem! Bora tocar!

Hello from France ✌

✌

ça doit être formidable de jouer d'un instrument de musique, en tous cas c'est passionnant et un peu magique de regarder un musicien jouer, merci pour ces moments de musique de nos morceaux préférés et bravo à vous.

Beautiful bass cover

O U2, banda irlandesa formada por Bono (vocais), The Edge (guitarra e teclado), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria), dispensa apresentações para os fãs de rock. Hoje, vamos falar sobre "Beautiful Day". Beautiful Day foi lançada em 9 de outubro de 2000 como o primeiro single do álbum All That You Can't Leave Behind. Esse single marcou o retorno do U2 às suas raízes de rock, após um período mais experimental nos anos 90. A composição da música ocorreu durante as sessões de gravação em Dublin e na França. Bono queria capturar a essência da alegria em meio a tempos difíceis, e as letras refletem essa mensagem de otimismo e esperança. O riff icônico de The Edge, com seu toque de delay característico, adiciona uma identidade única à faixa. Curiosidades sobre "Beautiful Day" 1. Prêmios: A música ganhou três Grammys em 2001: Gravação do Ano, Canção do Ano e Melhor Performance de Rock por um Duo ou Grupo com Vocal. 2. Videoclipe: O clipe foi filmado no Aeroporto Charles de Gaulle, em Paris, capturando a sensação de movimento e viagem que a banda queria transmitir. 3. Inspiração: Bono se inspirou em experiências pessoais e em temas de viagem, tanto física quanto emocional, para compor a letra. 4. Impacto: "All That You Can't Leave Behind" foi um sucesso comercial e crítico, considerado um retorno triunfante ao estilo clássico do U2. Espero que curtam o som! Rock on! 🎸

O U2, banda irlandesa formada por Bono (vocais), The Edge (guitarra e teclado), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria), dispensa apresentações para os fãs de rock. Hoje, vamos falar sobre "Beautiful Day". Beautiful Day foi lançada em 9 de outubro de 2000 como o primeiro single do álbum All That You Can't Leave Behind. Esse single marcou o retorno do U2 às suas raízes de rock, após um período mais experimental nos anos 90. A composição da música ocorreu durante as sessões de gravação em Dublin e na França. Bono queria capturar a essência da alegria em meio a tempos difíceis, e as letras refletem essa mensagem de otimismo e esperança. O riff icônico de The Edge, com seu toque de delay característico, adiciona uma identidade única à faixa. Curiosidades sobre "Beautiful Day" 1. Prêmios: A música ganhou três Grammys em 2001: Gravação do Ano, Canção do Ano e Melhor Performance de Rock por um Duo ou Grupo com Vocal. 2. Videoclipe: O clipe foi filmado no Aeroporto Charles de Gaulle, em Paris, capturando a sensação de movimento e viagem que a banda queria transmitir. 3. Inspiração: Bono se inspirou em experiências pessoais e em temas de viagem, tanto física quanto emocional, para compor a letra. 4. Impacto: "All That You Can't Leave Behind" foi um sucesso comercial e crítico, considerado um retorno triunfante ao estilo clássico do U2. Espero que curtam o som! Rock on! 🎸

Fala galera do Soundtube! Hoje vamos voltar ao grunge com seu principal expoete do movimento....o Nirvana! Vocês já conhecem a banda, passou por diversas vezes aqui no canal, mas vamos focar na história por trás da música 'Dumb', uma das jóias do álbum 'MTV Unplugged in New York'. 'Dumb' é uma faixa que mostra o lado mais introspectivo e emocional de Kurt Cobain. Composta em 1990, lançada no clássico álbum Nevermind em 1992, mas apareceu em uma belíssima versão no acústico de 1994, alvo da música de hoje, é um exemplo perfeito da capacidade de Kurt de criar melodias cativantes e letras profundas. Algumas curiosidades sobre 'Dumb': - A música foi apresentada pela primeira vez ao vivo em 1990, no show no OK Hotel, em Seattle. - 'Dumb' é uma das músicas mais pessoais de Kurt, abordando temas de isolamento e introspecção. Sobre o álbum 'MTV Unplugged in New York', lançado em 1994: - Foi gravado ao vivo no Sony Music Studios, em Nova York. - O álbum é uma mistura de músicas do Nirvana com covers de artistas como David Bowie e Lead Belly. - 'MTV Unplugged in New York' recebeu o Grammy de Melhor Álbum de Música Alternativa em 1996. Para mim o acústico é um álbum quase perfeito...o melhor da discografia dos caras, na minha opinião. E você, já conhecia a história por trás de 'Dumb'? Deixe seus comentários abaixo! Agora, bora parano som! Espero que gostem. Bora tocar ✌🏽🎸

Bom dia pessoal, tudo bem? Bora curtir um som? Hoje pra variar é com U2, banda irlandesa lendária que já passou aqui, formada por Bono (vocais), The Edge (guitarra e teclado), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria), sempre teve uma pegada única, misturando rock, punk e uma pitada de experimentalismo. Desire, foi lançada em 1988, foi o primeiro single do álbum Rattle and Hum. Esse álbum, aliás, é um verdadeiro caldeirão cultural, misturando influências de blues, folk e gospel, numa vibe meio documentário, meio álbum ao vivo. Curiosidades da música: 1.Influência de Bo Diddley: "Desire" é fortemente inspirada no ritmo "Bo Diddley beat", um dos mais icônicos e distintivos do rock and roll. 2. Gravada no sol de Los Angeles: A banda gravou essa música no Sunset Sound Studios em Los Angeles, um estúdio famoso que já viu de tudo, desde Led Zeppelin até Prince. 3. Prêmios: "Desire" conquistou o Grammy de Melhor Performance de Rock por um Duo ou Grupo com Vocal em 1989, consolidando ainda mais a reputação do U2. 4. Clipe Preto e Branco: O videoclipe de "Desire" é filmado em boa parte em preto e branco, trazendo um visual cru e direto, bem ao estilo dos anos 80. Não tem mais o que falar dessa bandassa, então é só curtir! Espero que gostem! Não deixe de curtir e compartilhar e até o próximo vídeo Bora tocar ✌🏽🎸

Bom dia pessoal, tudo bem? Bora curtir um som? Hoje pra variar é com U2, banda irlandesa lendária que já passou aqui, formada por Bono (vocais), The Edge (guitarra e teclado), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria), sempre teve uma pegada única, misturando rock, punk e uma pitada de experimentalismo. Desire, foi lançada em 1988, foi o primeiro single do álbum Rattle and Hum. Esse álbum, aliás, é um verdadeiro caldeirão cultural, misturando influências de blues, folk e gospel, numa vibe meio documentário, meio álbum ao vivo. Curiosidades da música: 1.Influência de Bo Diddley: "Desire" é fortemente inspirada no ritmo "Bo Diddley beat", um dos mais icônicos e distintivos do rock and roll. 2. Gravada no sol de Los Angeles: A banda gravou essa música no Sunset Sound Studios em Los Angeles, um estúdio famoso que já viu de tudo, desde Led Zeppelin até Prince. 3. Prêmios: "Desire" conquistou o Grammy de Melhor Performance de Rock por um Duo ou Grupo com Vocal em 1989, consolidando ainda mais a reputação do U2. 4. Clipe Preto e Branco: O videoclipe de "Desire" é filmado em boa parte em preto e branco, trazendo um visual cru e direto, bem ao estilo dos anos 80. Não tem mais o que falar dessa bandassa, então é só curtir! Espero que gostem! Não deixe de curtir e compartilhar e até o próximo vídeo Bora tocar ✌🏽🎸

Tá faltando uma do System Of a Down😉

🎸🥁🎸👏😎

Bom dia pessoal, tudo bem? Sábadou com mais um cover aqui no canal! A banda de hoje é o Metallica, com o cover Die,die my Darling. Com certeza. Essa faixa é um cover da banda de punk rock The Misfits, lançada em 1984. Metallica pegou essa canção e deu aquele toque especial deles no álbum Garage Inc. de 1998. Quem tava na banda na época: James Hetfield (vocais e guitarra rítmica), Lars Ulrich (bateria), Kirk Hammett (guitarra solo), Jason Newsted (baixo). O título veio de um filme britânico de 1965 chamado Fanatic (ou Die! Die! My Darling! nos EUA), um clássico do terror. Eles transformaram a música punk em algo mais pesado e rápido, mostrando como conseguem adaptar e homenagear suas influências. Esse álbum é uma coleção de covers que o Metallica curtiu gravar ao longo dos anos. É uma declaração de amor às suas raízes musicais. A gravação de Die, Die My Darling foi meio no improviso. Eles estavam experimentando covers e resolveram gravar essa. Ficou uma versão crua e cheia de energia. O videoclipe é uma performance ao vivo, sem grandes produções. Só a banda e a energia do palco. A versão foi bem recebida, tanto pelos fãs dos Misfits quanto pelos metaleiros. Metallica conseguiu manter a essência da original com seu próprio estilo. Espero que gostem! Não deixe de curtir e compartilhar e até o próximo vídeo Bora tocar ✌🏽🎸

Bom dia pessoal, tudo bem? Sábadou com mais um cover aqui no canal! A banda de hoje é o Metallica, com o cover Die,die my Darling. Com certeza. Essa faixa é um cover da banda de punk rock The Misfits, lançada em 1984. Metallica pegou essa canção e deu aquele toque especial deles no álbum Garage Inc. de 1998. Quem tava na banda na época: James Hetfield (vocais e guitarra rítmica), Lars Ulrich (bateria), Kirk Hammett (guitarra solo), Jason Newsted (baixo). O título veio de um filme britânico de 1965 chamado Fanatic (ou Die! Die! My Darling! nos EUA), um clássico do terror. Eles transformaram a música punk em algo mais pesado e rápido, mostrando como conseguem adaptar e homenagear suas influências. Esse álbum é uma coleção de covers que o Metallica curtiu gravar ao longo dos anos. É uma declaração de amor às suas raízes musicais. A gravação de Die, Die My Darling foi meio no improviso. Eles estavam experimentando covers e resolveram gravar essa. Ficou uma versão crua e cheia de energia. O videoclipe é uma performance ao vivo, sem grandes produções. Só a banda e a energia do palco. A versão foi bem recebida, tanto pelos fãs dos Misfits quanto pelos metaleiros. Metallica conseguiu manter a essência da original com seu próprio estilo. Espero que gostem! Não deixe de curtir e compartilhar e até o próximo vídeo Bora tocar ✌🏽🎸

👏👏👏

Fala, galera do Soundtube! Hoje vamos falar de uma das músicas mais emocionantes do U2: “Stay (Faraway, So Close!)”. Essa faixa faz parte do álbum Zooropa, lançado em 1993, e tem uma história bem interessante por trás. “Stay (Faraway, So Close!)” foi composta durante uma fase bem experimental do U2. A banda estava em Berlim, uma cidade que ainda sentia os efeitos da reunificação após a queda do Muro. Esse ambiente de contrastes e mudanças influenciou bastante a criação da música. - A música foi inspirada pelo filme “Faraway So Close!” de Wim Wenders, que também dirigiu o clipe da canção. - Bono escreveu a letra pensando em uma balada clássica, mas com um toque moderno e melancólico, refletindo temas de isolamento e desejo. - “Stay (Faraway, So Close!)” foi o terceiro single do álbum Zooropa e se destacou pela sua melodia envolvente e letras profundas. - Zooropa é o oitavo álbum de estúdio do U2 e foi lançado em um período em que a banda estava explorando novos sons e tecnologias. O álbum mistura rock alternativo com elementos de música eletrônica e industrial. - A produção do álbum foi rápida, levando apenas seis meses, e contou com a colaboração de Brian Eno e Flood, dois produtores renomados que ajudaram a moldar o som único do disco³. Espero que vocês curtam essa viagem pela história desta bela canção, estava ansioso por executa la. Não se esqueçam de deixar o like, se inscrever no canal e comentar qual música vocês querem ver no próximo vídeo. Até a próxima, galera! Bora tocar 🎸✌🏽 Fontes: U2 - “Stay (Faraway, So Close!)” Lyrics Meaning - MelodyInsight. melodyinsight.com/u2-stay-faraway-so-close-lyrics-meaning/. Significado da música STAY (FAR AWAY, SO CLOSE!) (U2) - Letras.mus.br. www.letras.mus.br/u2/5/significado.html. Stay (Faraway, So Close!) - Wikipédia, a enciclopédia livre. pt.wikipedia.org/wiki/Stay_%28Faraway,_So_Close!%29. U2: A História Por Trás da Canção Stay (Faraway, So Close!). fastartweb.com/u2-stay-faraway-so-close/

Fala, galera do Soundtube! Hoje vamos falar de uma das músicas mais emocionantes do U2: “Stay (Faraway, So Close!)”. Essa faixa faz parte do álbum Zooropa, lançado em 1993, e tem uma história bem interessante por trás. “Stay (Faraway, So Close!)” foi composta durante uma fase bem experimental do U2. A banda estava em Berlim, uma cidade que ainda sentia os efeitos da reunificação após a queda do Muro. Esse ambiente de contrastes e mudanças influenciou bastante a criação da música. - A música foi inspirada pelo filme “Faraway So Close!” de Wim Wenders, que também dirigiu o clipe da canção. - Bono escreveu a letra pensando em uma balada clássica, mas com um toque moderno e melancólico, refletindo temas de isolamento e desejo. - “Stay (Faraway, So Close!)” foi o terceiro single do álbum Zooropa e se destacou pela sua melodia envolvente e letras profundas. - Zooropa é o oitavo álbum de estúdio do U2 e foi lançado em um período em que a banda estava explorando novos sons e tecnologias. O álbum mistura rock alternativo com elementos de música eletrônica e industrial. - A produção do álbum foi rápida, levando apenas seis meses, e contou com a colaboração de Brian Eno e Flood, dois produtores renomados que ajudaram a moldar o som único do disco³. Espero que vocês curtam essa viagem pela história desta bela canção, estava ansioso por executa la. Não se esqueçam de deixar o like, se inscrever no canal e comentar qual música vocês querem ver no próximo vídeo. Até a próxima, galera! Bora tocar 🎸✌🏽 Fontes: U2 - “Stay (Faraway, So Close!)” Lyrics Meaning - MelodyInsight. melodyinsight.com/u2-stay-faraway-so-close-lyrics-meaning/. Significado da música STAY (FAR AWAY, SO CLOSE!) (U2) - Letras.mus.br. www.letras.mus.br/u2/5/significado.html. Stay (Faraway, So Close!) - Wikipédia, a enciclopédia livre. pt.wikipedia.org/wiki/Stay_%28Faraway,_So_Close!%29. U2: A História Por Trás da Canção Stay (Faraway, So Close!). fastartweb.com/u2-stay-faraway-so-close/

Boa maninho 👏👏👏

Fala, galera do Soundtube! Tudo bem com vocês? Hoje vamos falar de uma banda que marcou gerações e continua sendo referência no rock nacional: Skank! E a música da vez é a icônica Te ver. Então, pega seu contrabaixo e vem com a gente nessa viagem musical! O Skank surgiu em Belo Horizonte, em 1991, e logo conquistou o Brasil com seu som que mistura rock, reggae e ska. A formação clássica e única da banda conta com Samuel Rosa no vocal e guitarra, Henrique Portugal (teclados), Lelo Zaneti (baixo) e Haroldo Ferretti na bateria. “Te Ver” é uma das faixas do álbum” Calango”, lançado em 1994. Esse disco foi um divisor de águas na carreira do Skank, vendendo mais de um milhão de cópias e consolidando a banda no cenário musical brasileiro. A música fala sobre a dor do amor não correspondido, algo que muita gente já sentiu na pele. A letra, escrita por Samuel Rosa e Chico Amaral, usa metáforas poderosas para expressar esse sentimento, como “mergulhar no rio e não se molhar”. A letra de “Te Ver” foi inspirada em experiências pessoais dos compositores, o que dá um toque ainda mais autêntico à música. Seu videoclipe, também lançado em 1994, foi um clássico dos anos 90 e foi bastante exibido na MTV Brasil. Devido ao sucesso da música, ela ganhou várias versões ao longo dos anos, incluindo uma em ritmo de bossa nova lançada por Nanda Garcia. O Skank começou tocando em bares e festas em Belo Horizonte, mas logo chamou a atenção de grandes gravadoras. Com o sucesso de “Calango”, a banda se firmou como uma das principais do rock brasileiro. Ao longo dos anos, o Skank lançou vários álbuns de sucesso e continua fazendo shows pelo Brasil. Espero que gostem Bora tocar 🎸 Fontes Te Ver, do Skank, é lançada por Nanda Garcia em ritmo de bossa nova. versoseprosas.com.br/lancamentos/te-ver-skank-lancada-nanda-garcia/. Significado da música TE VER (Skank) - LETRAS.MUS.BR. www.letras.mus.br/skank/36663/significado.html. Skank - Te Ver (Clipe Oficial). ruclips.net/video/NK88geNsUmQ/видео.html. Skank - Te Ver (Multishow Ao Vivo no Mineirão). ruclips.net/video/IwLsdP5q55g/видео.html. Skank - Te Ver (Áudio Oficial). ruclips.net/video/pd8A36Vbr4c/видео.html. Análise da Letra de Te Ver do Skank: Significados e Interpretações. frasesdobem.com/letra-de-skank-te-ver/. smarturl.it/SkankSpotify?IQid=SkankTV. smarturl.it/SkankHitsiTunes?IQid=SkankTV. smarturl.it/SkTeVerPlay?IQid. smarturl.it/SkankSpotify?IQid=SkankTVAV. smarturl.it/SkankHitsiTunes?IQid=SkankTVAV. smarturl.it. smb.lnk.to/SkankCalango. SMB.lnk.to/SkankAsMelhores. smb.lnk.to/SkankRUclips. smb.lnk.to/SkankDSPs.

Fala, galera do Soundtube! Tudo bem com vocês? Hoje vamos falar de uma banda que marcou gerações e continua sendo referência no rock nacional: Skank! E a música da vez é a icônica Te ver. Então, pega seu contrabaixo e vem com a gente nessa viagem musical! O Skank surgiu em Belo Horizonte, em 1991, e logo conquistou o Brasil com seu som que mistura rock, reggae e ska. A formação clássica e única da banda conta com Samuel Rosa no vocal e guitarra, Henrique Portugal (teclados), Lelo Zaneti (baixo) e Haroldo Ferretti na bateria. “Te Ver” é uma das faixas do álbum” Calango”, lançado em 1994. Esse disco foi um divisor de águas na carreira do Skank, vendendo mais de um milhão de cópias e consolidando a banda no cenário musical brasileiro. A música fala sobre a dor do amor não correspondido, algo que muita gente já sentiu na pele. A letra, escrita por Samuel Rosa e Chico Amaral, usa metáforas poderosas para expressar esse sentimento, como “mergulhar no rio e não se molhar”. A letra de “Te Ver” foi inspirada em experiências pessoais dos compositores, o que dá um toque ainda mais autêntico à música. Seu videoclipe, também lançado em 1994, foi um clássico dos anos 90 e foi bastante exibido na MTV Brasil. Devido ao sucesso da música, ela ganhou várias versões ao longo dos anos, incluindo uma em ritmo de bossa nova lançada por Nanda Garcia. O Skank começou tocando em bares e festas em Belo Horizonte, mas logo chamou a atenção de grandes gravadoras. Com o sucesso de “Calango”, a banda se firmou como uma das principais do rock brasileiro. Ao longo dos anos, o Skank lançou vários álbuns de sucesso e continua fazendo shows pelo Brasil. Espero que gostem Bora tocar 🎸 Fontes Te Ver, do Skank, é lançada por Nanda Garcia em ritmo de bossa nova. versoseprosas.com.br/lancamentos/te-ver-skank-lancada-nanda-garcia/. Significado da música TE VER (Skank) - LETRAS.MUS.BR. www.letras.mus.br/skank/36663/significado.html. Skank - Te Ver (Clipe Oficial). ruclips.net/video/NK88geNsUmQ/видео.html. Skank - Te Ver (Multishow Ao Vivo no Mineirão). ruclips.net/video/IwLsdP5q55g/видео.html. Skank - Te Ver (Áudio Oficial). ruclips.net/video/pd8A36Vbr4c/видео.html. Análise da Letra de Te Ver do Skank: Significados e Interpretações. frasesdobem.com/letra-de-skank-te-ver/. smarturl.it/SkankSpotify?IQid=SkankTV. smarturl.it/SkankHitsiTunes?IQid=SkankTV. smarturl.it/SkTeVerPlay?IQid. smarturl.it/SkankSpotify?IQid=SkankTVAV. smarturl.it/SkankHitsiTunes?IQid=SkankTVAV. smarturl.it. smb.lnk.to/SkankCalango. SMB.lnk.to/SkankAsMelhores. smb.lnk.to/SkankRUclips. smb.lnk.to/SkankDSPs.

“Samba Makossa: A Bomba Atômica do Manguebeat!” E aí, galera do Soundtube! Tudo tranquilo por aí? Hoje a gente vai mergulhar de cabeça no universo do Manguebeat, mais precisamente na sonzera de Chico science & Nação Zumbi: “Samba Makossa”. Pra quem não se lembra, a gente já falou por aqui sobre a importância da banda pra música brasileira. Mas hoje a gente vai se aprofundar um pouco mais nessa música específica que é um verdadeiro hino do movimento. A Banda Chico Science & Nação Zumbi surgiu no início dos anos 90 em Recife, Pernambuco. A banda foi pioneira no movimento manguebeat, que misturava ritmos regionais como o maracatu com rock, hip hop e música eletrônica. A formação original contava com Chico Science (vocal), Lúcio Maia (guitarra), Dengue (baixo), Toca Ogan (percussão e efeitos), Canhoto (caixa), Gira (tambor), Gilmar Bola 8 (tambor) e Jorge Du Peixe (tambor). A Música: “Samba Makossa” “Samba Makossa” é uma faixa do álbum ”Da Lama ao Caos”, lançado em 1994. Esse álbum foi um marco na música brasileira, trazendo uma sonoridade única e inovadora. A música é uma fusão de samba com makossa, um estilo musical originário de Camarões, mostrando a habilidade da banda em misturar diferentes influências culturais. Curiosidades sobre “Samba Makossa” 1. Composição: A música foi composta por Chico Science e é um exemplo perfeito da mistura de ritmos que a banda promovia. A letra faz referências a figuras históricas e culturais, como Zumbi dos Palmares e Antônio Conselheiro, reforçando a ideia de resistência e identidade cultural. 2. Gravação: O álbum “Da Lama ao Caos” foi produzido por Liminha, um dos produtores mais renomados do Brasil. A produção trouxe uma qualidade sonora que destacou ainda mais a mistura de ritmos e a energia da banda. 3. Impacto Cultural: “Samba Makossa” e outras faixas do álbum ajudaram a consolidar o movimento manguebeat, que buscava valorizar a cultura local de Recife e ao mesmo tempo dialogar com influências globais. A música é um convite à celebração e à união, destacando a força da cultura brasileira. 4. Versões e Covers: A música ganhou várias versões ao longo dos anos, incluindo uma famosa interpretação de Charlie Brown Jr. E Marcelo D2 no Acústico MTV, que trouxe a faixa para uma nova geração de fãs. Conclusão “Samba Makossa” é mais do que uma música; é um manifesto cultural que celebra a diversidade e a resistência. Chico Science & Nação Zumbi deixaram um legado que continua a influenciar músicos e fãs até hoje. Então, preparem-se para curtir esse som e mergulhar na história por trás dessa faixa incrível! Fonte: 25 anos sem Chico Science: relembre a trajetória do artista. www.folhape.com.br/cultura/25-anos-sem-chico-science-relembre-a-trajetoria-do-artista-que/214347/. Samba Makossa. ruclips.net/video/BWvGWlRr5WQ/видео.html. Significado da música SAMBA MAKOSSA (Charlie Brown Jr ... - Letras.mus.br. www.letras.mus.br/charlie-brown-jr/77639/significado.html. SAMBA MAKOSSA (SIGNIFICADO) - Chico Science - Letras.mus.br. www.letras.mus.br/chico-science/45211/significado.html. “Samba Makossa” - Versão Charlie Brown Jr e Marcelo D2 (Acústico MTV). Charlie Brown jr. E Marcelo D2 - Samba Makossa -. ruclips.net/video/q8lvPRt1C10/видео.html. Samba Makossa - Charlie Brown Jr. - LETRAS.MUS.BR. www.letras.mus.br/charlie-brown-jr/77639/. Chico Science & Nação Zumbi 1994. ruclips.net/video/r5bxeKbliOM/видео.html. Chico Science e Nação Zumbi - Da lama ao caos - 1994. ruclips.net/video/3bCW4B-kk-4/видео.html. Chico Science & Nação Zumbi - Maracatu Atômico (New Remastered Copy). ruclips.net/video/_G63uF288T4/видео.html. Nação Zumbi - Wikipédia, a enciclopédia livre. pt.wikipedia.org/wiki/Na%C3%A7%C3%A3o_Zumbi. Nação Zumbi - LETRAS.MUS.BR. www.letras.mus.br/nacao-zumbi/. Chico Science & Nação Zumbi - Análise de Letras. analisedeletras.com.br/./chico-science-nacao-zumbi/. Biografia de Chico Science - eBiografia. www.ebiografia.com/chico_science/.

Oiê! Já ouviu Linkin Park com a nova vocalista???

Dahoraaa!!!👏👏👏

“Samba Makossa: A Bomba Atômica do Manguebeat!” E aí, galera do Soundtube! Tudo tranquilo por aí? Hoje a gente vai mergulhar de cabeça no universo do Manguebeat, mais precisamente na sonzera de Chico science & Nação Zumbi: “Samba Makossa”. Pra quem não se lembra, a gente já falou por aqui sobre a importância da banda pra música brasileira. Mas hoje a gente vai se aprofundar um pouco mais nessa música específica que é um verdadeiro hino do movimento. A Banda Chico Science & Nação Zumbi surgiu no início dos anos 90 em Recife, Pernambuco. A banda foi pioneira no movimento manguebeat, que misturava ritmos regionais como o maracatu com rock, hip hop e música eletrônica. A formação original contava com Chico Science (vocal), Lúcio Maia (guitarra), Dengue (baixo), Toca Ogan (percussão e efeitos), Canhoto (caixa), Gira (tambor), Gilmar Bola 8 (tambor) e Jorge Du Peixe (tambor). A Música: “Samba Makossa” “Samba Makossa” é uma faixa do álbum ”Da Lama ao Caos”, lançado em 1994. Esse álbum foi um marco na música brasileira, trazendo uma sonoridade única e inovadora. A música é uma fusão de samba com makossa, um estilo musical originário de Camarões, mostrando a habilidade da banda em misturar diferentes influências culturais. Curiosidades sobre “Samba Makossa” 1. Composição: A música foi composta por Chico Science e é um exemplo perfeito da mistura de ritmos que a banda promovia. A letra faz referências a figuras históricas e culturais, como Zumbi dos Palmares e Antônio Conselheiro, reforçando a ideia de resistência e identidade cultural. 2. Gravação: O álbum “Da Lama ao Caos” foi produzido por Liminha, um dos produtores mais renomados do Brasil. A produção trouxe uma qualidade sonora que destacou ainda mais a mistura de ritmos e a energia da banda. 3. Impacto Cultural: “Samba Makossa” e outras faixas do álbum ajudaram a consolidar o movimento manguebeat, que buscava valorizar a cultura local de Recife e ao mesmo tempo dialogar com influências globais. A música é um convite à celebração e à união, destacando a força da cultura brasileira. 4. Versões e Covers: A música ganhou várias versões ao longo dos anos, incluindo uma famosa interpretação de Charlie Brown Jr. E Marcelo D2 no Acústico MTV, que trouxe a faixa para uma nova geração de fãs. Conclusão “Samba Makossa” é mais do que uma música; é um manifesto cultural que celebra a diversidade e a resistência. Chico Science & Nação Zumbi deixaram um legado que continua a influenciar músicos e fãs até hoje. Então, preparem-se para curtir esse som e mergulhar na história por trás dessa faixa incrível! Espero que gostem! Fonte: 25 anos sem Chico Science: relembre a trajetória do artista. www.folhape.com.br/cultura/25-anos-sem-chico-science-relembre-a-trajetoria-do-artista-que/214347/. Samba Makossa. ruclips.net/video/BWvGWlRr5WQ/видео.html. Significado da música SAMBA MAKOSSA (Charlie Brown Jr ... - Letras.mus.br. www.letras.mus.br/charlie-brown-jr/77639/significado.html. SAMBA MAKOSSA (SIGNIFICADO) - Chico Science - Letras.mus.br. www.letras.mus.br/chico-science/45211/significado.html. “Samba Makossa” - Versão Charlie Brown Jr e Marcelo D2 (Acústico MTV). Charlie Brown jr. E Marcelo D2 - Samba Makossa -. ruclips.net/video/q8lvPRt1C10/видео.html. Samba Makossa - Charlie Brown Jr. - LETRAS.MUS.BR. www.letras.mus.br/charlie-brown-jr/77639/. Chico Science & Nação Zumbi 1994. ruclips.net/video/r5bxeKbliOM/видео.html. Chico Science e Nação Zumbi - Da lama ao caos - 1994. ruclips.net/video/3bCW4B-kk-4/видео.html. Chico Science & Nação Zumbi - Maracatu Atômico (New Remastered Copy). ruclips.net/video/_G63uF288T4/видео.html. Nação Zumbi - Wikipédia, a enciclopédia livre. pt.wikipedia.org/wiki/Na%C3%A7%C3%A3o_Zumbi. Nação Zumbi - LETRAS.MUS.BR. www.letras.mus.br/nacao-zumbi/. Chico Science & Nação Zumbi - Análise de Letras. analisedeletras.com.br/./chico-science-nacao-zumbi/. Biografia de Chico Science - eBiografia. www.ebiografia.com/chico_science/.

A última nota do riff, encaixa melhor voltando só meio tom,só invés de acabar em B. Desculpe se falei besteira,

Ficou top man, vlw por compartilhar! Passa as tablatura por gentileza: danilobisporodrigues@gmail.com

E aí, galera do Soundtube! Hoje vamos falar sobre uma lenda do funk e soul: James Brown, e sua icônica música “The Payback”. Preparem-se para uma viagem no tempo com muito groove e histórias interessantes! A Banda e os Integrantes James Brown, conhecido como o “Padrinho do Soul”, não fazia nada sozinho. Ele sempre esteve cercado por músicos incríveis que ajudaram a criar aquele som único e inconfundível. No álbum “The Payback”, lançado em 1973, a banda era composta por: - James Brown: Vocais principais e piano elétrico - St. Clair Pinckney: Saxofone tenor e flauta - Maceo Parker: Saxofone alto e flauta - Darryl “Hasaan” Jamison: Trompete - Jerone “Jasaan” Sanford: Trompete - Isiah “Ike” Oakley: Trompete - Fred Wesley: Trombone - Hearlon “Cheese” Martin: Guitarra - Jimmy Nolen: Guitarra - Fred Thomas: Baixo - John “Jabo” Starks: Bateria - John Morgan: Percussão Curiosidades da Música “The Payback” é uma música cheia de história e curiosidades. Originalmente, ela foi composta para ser a trilha sonora do filme “Hell Up in Harlem”, mas acabou sendo rejeitada pelos produtores do filme, que acharam que não era “funky” o suficiente. James Brown, claro, não deixou barato e transformou a música no título do seu álbum de 1973, que se tornou um marco na sua carreira. A música fala sobre vingança, com Brown prometendo dar o troco em quem o prejudicou. É um dos seus maiores sucessos, chegando ao topo das paradas de R&B e vendendo mais de um milhão de cópias. Além disso, “The Payback” é uma das músicas mais sampleadas na história do hip-hop e R&B, aparecendo em faixas de artistas como Em Vogue, LL Cool J, e Kendrick Lamar. Estilo e Impacto O álbum “The Payback” é conhecido por suas grooves cíclicas e jams, mas também tem momentos de soul mais suave em faixas como “Doing the Best I Can” e “Forever Suffering”. A faixa-título é um exemplo perfeito do estilo de James Brown: poderoso, cheio de atitude e com uma batida irresistível. Carreira de James Brown James Joseph Brown nasceu em 3 de maio de 1933, em Barnwell, Carolina do Sul. Ele cresceu em Augusta, Geórgia, em meio a muita pobreza. Desde cedo, mostrou talento para a música, aprendendo a tocar bateria, piano e guitarra. No entanto, sua juventude foi marcada por dificuldades, incluindo um período na prisão por roubo de carros. Brown começou sua carreira musical como cantor de gospel, mas foi com o grupo de R&B The Famous Flames que ele realmente começou a ganhar notoriedade. Em 1956, o grupo lançou “Please, Please, Please”, que se tornou um grande sucesso e catapultou Brown para a fama. Durante os anos 60, James Brown se estabeleceu como uma força dominante na música. Ele lançou uma série de hits que se tornaram clássicos, como “Papa’s Got a Brand New Bag”, “I Got You (I Feel Good)” e “It’s a Man’s Man’s Man’s World”. Seu álbum ao vivo, “Live at the Apollo”, de 1963, é considerado um dos melhores álbuns ao vivo de todos os tempos. Nos anos 70, Brown foi fundamental na criação do funk, um gênero que influenciou profundamente a música popular. Canções como “Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine” e “The Payback” são exemplos perfeitos do seu estilo inovador. James Brown não foi apenas um músico talentoso, mas também um performer incansável, conhecido como “The Hardest-Working Man in Show Business” (O Homem Mais Trabalhador do Show Business). Ele influenciou inúmeros artistas e gêneros musicais, incluindo soul, funk, R&B e hip-hop. Suas músicas foram amplamente sampleadas por artistas de hip-hop, solidificando seu impacto duradouro na música. Brown continuou a se apresentar e gravar até sua morte em 25 de dezembro de 2006. Ele deixou um legado imenso e foi homenageado com inúmeras premiações, incluindo sua introdução no Rock and Roll Hall of Fame em 1986. Curiosidades Engraçadas James Brown era conhecido por seu perfeccionismo e por ser um chefe exigente. Ele tinha um sinal secreto para multar seus músicos durante os shows. Se alguém cometesse um erro, ele levantava a mão e mostrava quantos dedos correspondiam ao valor da multa em dólares. Por exemplo, se ele mostrasse cinco dedos, isso significava uma multa de cinco dólares! Isso mantinha a banda sempre alerta e pronta para dar o seu melhor. Outra história divertida é que James Brown uma vez foi preso por dirigir em alta velocidade e, enquanto estava na delegacia, ele começou a cantar e dançar, transformando a situação em um mini show improvisado. Os policiais ficaram tão impressionados que acabaram pedindo autógrafos e tirando fotos com ele. Espero que gostem do som! Preparem a aposta de dança... Bora tocar. 🎸🎤

E aí, galera do Soundtube! Hoje vamos falar sobre uma lenda do funk e soul: James Brown, e sua icônica música “The Payback”. Preparem-se para uma viagem no tempo com muito groove e histórias interessantes! A Banda e os Integrantes James Brown, conhecido como o “Padrinho do Soul”, não fazia nada sozinho. Ele sempre esteve cercado por músicos incríveis que ajudaram a criar aquele som único e inconfundível. No álbum “The Payback”, lançado em 1973, a banda era composta por: - James Brown: Vocais principais e piano elétrico - St. Clair Pinckney: Saxofone tenor e flauta - Maceo Parker: Saxofone alto e flauta - Darryl “Hasaan” Jamison: Trompete - Jerone “Jasaan” Sanford: Trompete - Isiah “Ike” Oakley: Trompete - Fred Wesley: Trombone - Hearlon “Cheese” Martin: Guitarra - Jimmy Nolen: Guitarra - Fred Thomas: Baixo - John “Jabo” Starks: Bateria - John Morgan: Percussão Curiosidades da Música “The Payback” é uma música cheia de história e curiosidades. Originalmente, ela foi composta para ser a trilha sonora do filme “Hell Up in Harlem”, mas acabou sendo rejeitada pelos produtores do filme, que acharam que não era “funky” o suficiente. James Brown, claro, não deixou barato e transformou a música no título do seu álbum de 1973, que se tornou um marco na sua carreira. A música fala sobre vingança, com Brown prometendo dar o troco em quem o prejudicou. É um dos seus maiores sucessos, chegando ao topo das paradas de R&B e vendendo mais de um milhão de cópias. Além disso, “The Payback” é uma das músicas mais sampleadas na história do hip-hop e R&B, aparecendo em faixas de artistas como Em Vogue, LL Cool J, e Kendrick Lamar. Estilo e Impacto O álbum “The Payback” é conhecido por suas grooves cíclicas e jams, mas também tem momentos de soul mais suave em faixas como “Doing the Best I Can” e “Forever Suffering”. A faixa-título é um exemplo perfeito do estilo de James Brown: poderoso, cheio de atitude e com uma batida irresistível. Carreira de James Brown James Joseph Brown nasceu em 3 de maio de 1933, em Barnwell, Carolina do Sul. Ele cresceu em Augusta, Geórgia, em meio a muita pobreza. Desde cedo, mostrou talento para a música, aprendendo a tocar bateria, piano e guitarra. No entanto, sua juventude foi marcada por dificuldades, incluindo um período na prisão por roubo de carros. Brown começou sua carreira musical como cantor de gospel, mas foi com o grupo de R&B The Famous Flames que ele realmente começou a ganhar notoriedade. Em 1956, o grupo lançou “Please, Please, Please”, que se tornou um grande sucesso e catapultou Brown para a fama. Durante os anos 60, James Brown se estabeleceu como uma força dominante na música. Ele lançou uma série de hits que se tornaram clássicos, como “Papa’s Got a Brand New Bag”, “I Got You (I Feel Good)” e “It’s a Man’s Man’s Man’s World”. Seu álbum ao vivo, “Live at the Apollo”, de 1963, é considerado um dos melhores álbuns ao vivo de todos os tempos. Nos anos 70, Brown foi fundamental na criação do funk, um gênero que influenciou profundamente a música popular. Canções como “Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine” e “The Payback” são exemplos perfeitos do seu estilo inovador. James Brown não foi apenas um músico talentoso, mas também um performer incansável, conhecido como “The Hardest-Working Man in Show Business” (O Homem Mais Trabalhador do Show Business). Ele influenciou inúmeros artistas e gêneros musicais, incluindo soul, funk, R&B e hip-hop. Suas músicas foram amplamente sampleadas por artistas de hip-hop, solidificando seu impacto duradouro na música. Brown continuou a se apresentar e gravar até sua morte em 25 de dezembro de 2006. Ele deixou um legado imenso e foi homenageado com inúmeras premiações, incluindo sua introdução no Rock and Roll Hall of Fame em 1986. Curiosidades Engraçadas James Brown era conhecido por seu perfeccionismo e por ser um chefe exigente. Ele tinha um sinal secreto para multar seus músicos durante os shows. Se alguém cometesse um erro, ele levantava a mão e mostrava quantos dedos correspondiam ao valor da multa em dólares. Por exemplo, se ele mostrasse cinco dedos, isso significava uma multa de cinco dólares! Isso mantinha a banda sempre alerta e pronta para dar o seu melhor. Outra história divertida é que James Brown uma vez foi preso por dirigir em alta velocidade e, enquanto estava na delegacia, ele começou a cantar e dançar, transformando a situação em um mini show improvisado. Os policiais ficaram tão impressionados que acabaram pedindo autógrafos e tirando fotos com ele. Espero que gostem do som! Preparem a aposta de dança... Bora tocar. 🎸🎤

E aí, galera do Soundtube! Tudo bem com vocês? Hoje falaremos sobre uma banda que fez grande sucesso nos anos 90 no cenario alternativo do rock, e que de certa forma alcançou tambem o mainstream da época, o Jane's Addiction. Particularmente uma banda que gosto muito, estava ansioso por trazer no canal... Jane’s Addiction é uma banda formada em Los Angeles em 1985. A banda é conhecida por seu som único que mistura elementos de rock alternativo, funk metal e psicodelia. Os membros originais incluem o vocalista Perry Farrell, o guitarrista Dave Navarro, o baterista Stephen Perkins e o baixista Eric Avery. A banda ganhou destaque com seus primeiros dois álbuns de estúdio, “Nothing’s Shocking” (1988), sendo este considerado uns dos 500 melhores álbuns da história, pela revista Rolling Stones e “Ritual de lo Habitual” (1990), que foram aclamados pela crítica e tiveram um grande sucesso comercial. Eles são considerados uma das primeiras bandas do movimento de rock alternativo dos anos 90 a alcançar tanto reconhecimento da mídia quanto sucesso comercial nos Estados Unidos. Jane’s Addiction também é conhecida por sua influência na cena musical e por ter lançado o primeiro Lollapalooza, um festival de música alternativa que se tornou um evento anual. Apesar de várias reuniões e mudanças na formação ao longo dos anos, a banda continua a ser uma força significativa no rock alternativo. “Jane Says, música de hoje, foi lançada como single em 1988 do álbum “Nothing’s Shocking”. A música foi escrita por Perry Farrell e Eric Avery e é conhecida por suas letras poéticas e introspectivas. Ela fala sobre a vida de uma amiga de Perry chamada Jane Bainter, que lutava com vícios e dificuldades na vida. A letra da música é frequentemente interpretada como uma reflexão sobre a busca por identidade e a luta contra as adversidades. A frase “I’m gonna kick tomorrow” (Eu vou parar amanhã) é um convite para não adiar os sonhos e começar a viver a vida plenamente. “Jane Says” também é notável por ser uma das primeiras músicas do movimento de rock alternativo dos anos 90 e a alcançar sucesso comercial nos Estados Unidos, ajudando a estabelecer Jane’s Addiction como uma das bandas mais influentes da época. Espero que curtam o som, logo mais tem mais som deles aqui no canal, fiquem ligados. Bora tocar e até a próxima.🎸🎶

👏👏👏

E aí, galera do Soundtube! Tudo bem com vocês? No vídeo de hoje, vamos falar sobre uma dupla que fez muito sucesso do synth-pop nos anos 80: Soft Cell. Formada pelo vocalista Marc Almond e pelo instrumentalista David Ball, essa dupla britânica estourou nas paradas com o hit "Tainted Love". Quem são os caras do Soft Cell? ● Marc Almond: O frontman da banda, conhecido por sua voz marcante e presença de palco única. Antes de formar o Soft Cell, Almond já tinha uma carreira solo e era bem ativo na cena musical de Leeds. ● David Ball: O gênio por trás dos sintetizadores e das batidas eletrônicas que definiram o som do Soft Cell. Ball conheceu Almond na Leeds Polytechnic, e daí surgiu a parceria que mudaria suas vidas. Curiosidades sobre "Tainted Love". Origem da música: "Tainted Love" não é uma composição original do Soft Cell. A música foi escrita por Ed Cobb e originalmente gravada pela cantora americana Gloria Jones em 1964. A versão de Jones não fez muito sucesso na época, mas ganhou popularidade na cena Northern Soul do Reino Unido nos anos 70. A escolha da música: Marc Almond e David Ball decidiram gravar "Tainted Love" como uma espécie de "cover descartável" para seus shows. Mal sabiam eles que essa escolha os levaria ao topo das paradas. Produção: A versão do Soft Cell é famosa pelo seu som eletrônico inovador. Eles usaram uma variedade de instrumentos eletrônicos, incluindo o Korg Synthe-Bass e o Synclavier, para criar aquele som único que todos nós conhecemos. Sucesso mundial: Lançada em 1981, a versão do Soft Cell de "Tainted Love" foi um sucesso instantâneo, alcançando o primeiro lugar em 17 países, incluindo o Reino Unido6. A música se tornou um hino dos anos 80 e ainda é lembrada e tocada até hoje. Mais sobre a banda: Soft Cell não parou por aí. Eles lançaram vários álbuns de sucesso, como "Non-Stop Erotic Cabaret" cujo que foi lançado Tainted Love e "The Art of Falling Apart". A dupla se separou em 1984, mas se reuniu novamente em 2001 e continua a fazer música e se apresentar até hoje. Espero que curtam o som Bora tocar e até a próxima.🎸🎶 Fontes 1. Tainted Love by Soft Cell - Songfacts 2. Tainted Love - Wikipedia 3. Soft Cell - Wikipedia 4. Soft Cell - Wikipédia, a enciclopédia livre 5. Soft Cell - British Synth Pop Duo | uDiscover Music 6. Soft Cell - Periodic Table of Synthpop 7. The story of the song Tainted Love - Soft Cell - CMF Radio 8. Soft Cell - Tainted Love Lyrics | Genius Lyrics 9. What Is The Song Tainted Love About - Repeat Replay

E aí, galera do Soundtube! Tudo bem com vocês? No vídeo de hoje, vamos falar sobre uma dupla que fez muito sucesso do synth-pop nos anos 80: Soft Cell. Formada pelo vocalista Marc Almond e pelo instrumentalista David Ball, essa dupla britânica estourou nas paradas com o hit "Tainted Love". Quem são os caras do Soft Cell? ● Marc Almond: O frontman da banda, conhecido por sua voz marcante e presença de palco única. Antes de formar o Soft Cell, Almond já tinha uma carreira solo e era bem ativo na cena musical de Leeds. ● David Ball: O gênio por trás dos sintetizadores e das batidas eletrônicas que definiram o som do Soft Cell. Ball conheceu Almond na Leeds Polytechnic, e daí surgiu a parceria que mudaria suas vidas. Curiosidades sobre "Tainted Love". Origem da música: "Tainted Love" não é uma composição original do Soft Cell. A música foi escrita por Ed Cobb e originalmente gravada pela cantora americana Gloria Jones em 1964. A versão de Jones não fez muito sucesso na época, mas ganhou popularidade na cena Northern Soul do Reino Unido nos anos 70. A escolha da música: Marc Almond e David Ball decidiram gravar "Tainted Love" como uma espécie de "cover descartável" para seus shows. Mal sabiam eles que essa escolha os levaria ao topo das paradas. Produção: A versão do Soft Cell é famosa pelo seu som eletrônico inovador. Eles usaram uma variedade de instrumentos eletrônicos, incluindo o Korg Synthe-Bass e o Synclavier, para criar aquele som único que todos nós conhecemos. Sucesso mundial: Lançada em 1981, a versão do Soft Cell de "Tainted Love" foi um sucesso instantâneo, alcançando o primeiro lugar em 17 países, incluindo o Reino Unido6. A música se tornou um hino dos anos 80 e ainda é lembrada e tocada até hoje. Mais sobre a banda: Soft Cell não parou por aí. Eles lançaram vários álbuns de sucesso, como "Non-Stop Erotic Cabaret" cujo que foi lançado Tainted Love e "The Art of Falling Apart". A dupla se separou em 1984, mas se reuniu novamente em 2001 e continua a fazer música e se apresentar até hoje. Espero que curtam o som Bora tocar e até a próxima.🎸🎶 Fontes 1. Tainted Love by Soft Cell - Songfacts 2. Tainted Love - Wikipedia 3. Soft Cell - Wikipedia 4. Soft Cell - Wikipédia, a enciclopédia livre 5. Soft Cell - British Synth Pop Duo | uDiscover Music 6. Soft Cell - Periodic Table of Synthpop 7. The story of the song Tainted Love - Soft Cell - CMF Radio 8. Soft Cell - Tainted Love Lyrics | Genius Lyrics 9. What Is The Song Tainted Love About - Repeat Replay

Bom D+, porem é bom da escutada na região em que a musica está sendo tocada no baixo ..e ter cuidado com o tempo.. no resto parabéns.

Tutorial please

Fala turma, tudo bem com vocês? Hoje vamos falar sobre uma banda que marcou os anos 90 com seu som único e cheio de energia: The Black Crowes, com a música “Remedy”. Formada em 1984 em Atlanta, Geórgia, pelos irmãos Chris e Rich Robinson, o The Black Crowes trouxe uma mistura de rock clássico, blues e um toque de soul que conquistou fãs ao redor do mundo. A formação original contava com Chris Robinson nos vocais, Rich Robinson na guitarra, Steve Gorman na bateria, Johnny Colt no baixo e Jeff Cease na guitarra solo. Chris Robinson é conhecido por sua voz poderosa e presença de palco carismática. Além de seu trabalho com os Black Crowes, ele também seguiu carreira solo e formou a banda Chris Robinson Brotherhood. Rich Robinson, o irmão mais novo, é o guitarrista principal e coautor de muitas das músicas da banda. Seu estilo de tocar é uma mistura de riffs pesados e melodias cativantes, que são a marca registrada do som dos Black Crowes. Steve Gorman foi o baterista da banda por muitos anos e é conhecido por seu estilo energético e preciso. Ele também é apresentador de um programa de rádio esportivo. Johnny Colt foi o baixista original e tocou nos primeiros álbuns da banda. Após sair dos Black Crowes, ele tocou com outras bandas famosas como Lynyrd Skynyrd e Train. Jeff Cease foi o guitarrista solo no álbum de estreia, mas deixou a banda em 1991. Ele continuou sua carreira musical em outros projetos. O álbum lançado em 1992 com o título “The Southern Harmony and Musical Companion”, foi o segundo trabalho dos caras, inclui alguns dos maiores sucessos da banda, além de “Remedy” como também destaques para “Sting Me”, “Thorn in My Pride” e “Hotel Illness”. Inclusive, essas músicas ajudaram o álbum a alcançar o topo da parada Billboard 200 daquele ano. “Remedy” é a música mais conhecida do Black Crowes. Com seu riff de guitarra marcante e o vocal poderoso de Chris Robinson, a música rapidamente se tornou um hit e é até hoje um clássico do rock. A música foi escrita pelos irmãos Robinson e é um exemplo perfeito da química musical entre eles. Foi um grande sucesso nas rádios e ajudou a consolidar o The Black Crowes como uma das principais bandas de rock dos anos 90. Curiosidades sobre “Remedy”: A letra de “Remedy” fala sobre a busca por alívio e cura, algo que muitos interpretam como uma metáfora para a busca por paz interior e resolução de conflitos pessoais. A música foi escrita pelos irmãos Robinson e é um exemplo perfeito da química musical entre eles. “Remedy” foi um grande sucesso nas rádios e ajudou a consolidar o The Black Crowes como uma das principais bandas de rock dos anos 90. Oficialmente a banda terminou em 2015, por divergências entre os irmãos, mas retomaram com novo disco em 2024...será que seguem mesmo ou foi só uma reunião ocasional?? E aí, gostou de saber mais sobre o The Black Crowes e “Remedy”? Deixe seu like, se inscreva no canal e ative o sininho para não perder nenhum vídeo! Até a próxima, galera! Bora Tocar🎸🎤 Fontes: 1 - Rockstage.com.br 2 - classicrockhistory.com 3 - youtube.com 4 - youtube.com 5 - letras.mus.br 6 - letras.mus.br 7 - facebook.com 8 - letras.com 9 - igormiranda.com.br 10 - es.wikipedia.org 11 - igormiranda.com.br 12 - instagram.com 13 - twitter.com 14 - facebook.com 15 - theblackcrowes.com

Fala turma, tudo bem com vocês? Hoje vamos falar sobre uma banda que marcou os anos 90 com seu som único e cheio de energia: The Black Crowes, com a música “Remedy”. Formada em 1984 em Atlanta, Geórgia, pelos irmãos Chris e Rich Robinson, o The Black Crowes trouxe uma mistura de rock clássico, blues e um toque de soul que conquistou fãs ao redor do mundo. A formação original contava com Chris Robinson nos vocais, Rich Robinson na guitarra, Steve Gorman na bateria, Johnny Colt no baixo e Jeff Cease na guitarra solo. Chris Robinson é conhecido por sua voz poderosa e presença de palco carismática. Além de seu trabalho com os Black Crowes, ele também seguiu carreira solo e formou a banda Chris Robinson Brotherhood. Rich Robinson, o irmão mais novo, é o guitarrista principal e coautor de muitas das músicas da banda. Seu estilo de tocar é uma mistura de riffs pesados e melodias cativantes, que são a marca registrada do som dos Black Crowes. Steve Gorman foi o baterista da banda por muitos anos e é conhecido por seu estilo energético e preciso. Ele também é apresentador de um programa de rádio esportivo. Johnny Colt foi o baixista original e tocou nos primeiros álbuns da banda. Após sair dos Black Crowes, ele tocou com outras bandas famosas como Lynyrd Skynyrd e Train. Jeff Cease foi o guitarrista solo no álbum de estreia, mas deixou a banda em 1991. Ele continuou sua carreira musical em outros projetos. O álbum lançado em 1992 com o título “The Southern Harmony and Musical Companion”, foi o segundo trabalho dos caras, inclui alguns dos maiores sucessos da banda, além de “Remedy” como também destaques para “Sting Me”, “Thorn in My Pride” e “Hotel Illness”. Inclusive, essas músicas ajudaram o álbum a alcançar o topo da parada Billboard 200 daquele ano. “Remedy” é a música mais conhecida do Black Crowes. Com seu riff de guitarra marcante e o vocal poderoso de Chris Robinson, a música rapidamente se tornou um hit e é até hoje um clássico do rock. A música foi escrita pelos irmãos Robinson e é um exemplo perfeito da química musical entre eles. Foi um grande sucesso nas rádios e ajudou a consolidar o The Black Crowes como uma das principais bandas de rock dos anos 90. Curiosidades sobre “Remedy”: A letra de “Remedy” fala sobre a busca por alívio e cura, algo que muitos interpretam como uma metáfora para a busca por paz interior e resolução de conflitos pessoais. A música foi escrita pelos irmãos Robinson e é um exemplo perfeito da química musical entre eles. “Remedy” foi um grande sucesso nas rádios e ajudou a consolidar o The Black Crowes como uma das principais bandas de rock dos anos 90. Oficialmente a banda terminou em 2015, por divergências entre os irmãos, mas retomaram com novo disco em 2024...será que seguem mesmo ou foi só uma reunião ocasional?? E aí, gostou de saber mais sobre o The Black Crowes e “Remedy”? Deixe seu like, se inscreva no canal e ative o sininho para não perder nenhum vídeo! Até a próxima, galera! Bora Tocar🎸🎤 Fontes: 1 - Rockstage.com.br 2 - classicrockhistory.com 3 - youtube.com 4 - youtube.com 5 - letras.mus.br 6 - letras.mus.br 7 - facebook.com 8 - letras.com 9 - igormiranda.com.br 10 - es.wikipedia.org 11 - igormiranda.com.br 12 - instagram.com 13 - twitter.com 14 - facebook.com 15 - theblackcrowes.com

muito bom!!

E aí pessoal, tudo bem? Bora de mais uma música clássica do The Cure? E a música da vez é “Close to Me”, um clássico que faz parte do álbum The Head on the Door, lançado em 1985. Formada em 1978 o The Cure, teve várias mudanças em sua formação, apesar disso o coração da banda sempre foi o lendário Robert Smith, com seu visual inconfundível e sua voz única. Atualmente, a formação inclui Robert Smith (vocais e guitarra), Simon Gallup (baixo), Roger O’Donnell (teclados), Perry Bamonte (guitarra e teclados), Jason Cooper (bateria) e Reeves Gabrels (guitarra) . Agora, vamos falar sobre “Close to Me”. Essa música tem uma história bem interessante. Robert Smith escreveu a letra inspirado por uma sensação de pavor que ele sentia desde criança, quando teve catapora. Ele tinha visões assustadoras de uma cabeça flutuante que aparecia na fresta de luz do quarto. Sinistro, não? A música quase não entrou no álbum. Durante as gravações, ela parecia meio sem graça até que Smith resolveu dar uma turbinada na produção, deixando o som bem claustrofóbico e intenso. Foi aí que “Close to Me” ganhou vida. O clipe também é um show à parte. Dirigido por Tim Pope, ele mostra a banda espremida dentro de um guarda-roupa que cai de um penhasco e afunda no mar. A ideia veio de um sonho bizarro do próprio Robert Smith . E se você acha que isso é tudo, em 1990, a música ganhou um remix chamado “closet mix”, que também fez bastante sucesso. “Close to Me” é uma daquelas músicas que, mesmo depois de décadas, continua a encantar e a surpreender. Ela mostra bem a genialidade do The Cure em transformar sentimentos sombrios em arte. Bora curtir esse som? Espero que gostem Fontes 1- en.wikipedia.org 2- songfacts.com 3- radiox.co.uk 4- en.wikipedia.org 5- britannica.com 6- allmusic.com 7- dbpedia.org 8- genius.com 9- classicrock.fandom.com 10- pt.wikipedia.org 11- bing.com

E aí pessoal, tudo bem? Bora de mais uma música clássica do The Cure? E a música da vez é “Close to Me”, uma.sonzera que faz parte do álbum The Head on the Door, lançado em 1985. Formada em 1978 o The Cure, teve várias mudanças em sua formação, apesar disso o coração da banda sempre foi o lendário Robert Smith, com seu visual inconfundível e sua voz única. Atualmente, a formação inclui Robert Smith (vocais e guitarra), Simon Gallup (baixo), Roger O’Donnell (teclados), Perry Bamonte (guitarra e teclados), Jason Cooper (bateria) e Reeves Gabrels (guitarra) . Agora, vamos falar sobre “Close to Me”. Essa música tem uma história bem interessante. Robert Smith escreveu a letra inspirado por uma sensação de pavor que ele sentia desde criança, quando teve catapora. Ele tinha visões assustadoras de uma cabeça flutuante que aparecia na fresta de luz do quarto. Sinistro, não? A música quase não entrou no álbum. Durante as gravações, ela parecia meio sem graça até que Smith resolveu dar uma turbinada na produção, deixando o som bem claustrofóbico e intenso. Foi aí que “Close to Me” ganhou vida. O clipe também é um show à parte. Dirigido por Tim Pope, ele mostra a banda espremida dentro de um guarda-roupa que cai de um penhasco e afunda no mar. A ideia veio de um sonho bizarro do próprio Robert Smith . E se você acha que isso é tudo, em 1990, a música ganhou um remix chamado “closet mix”, que também fez bastante sucesso. “Close to Me” é uma daquelas músicas que, mesmo depois de décadas, continua a encantar e a surpreender. Ela mostra bem a genialidade do The Cure em transformar sentimentos sombrios em arte. Bora curtir esse som? Espero que gostem Fontes 1- en.wikipedia.org 2- songfacts.com 3- radiox.co.uk 4- en.wikipedia.org 5- britannica.com 6- allmusic.com 7- dbpedia.org 8- genius.com 9- classicrock.fandom.com 10- pt.wikipedia.org 11- bing.com

Genial!!!

E aí, pessoal tudo bem com vocês? Como vocês já acompanham algum tempo, normalmente meus vídeos se concentram bastante e são focados em covers de rock e pop rock. Sem dúvida esses são os estilos musicais que mais ouço e forjaram minha bagagem musical, mas também sempre estive aberto a outros estilos e o Hip-Hop é um estilos que sempre curti e ainda ouço bastante. Semana passada estava no carro e ouvindo uma playlist pelo streaming eis que começa a tocar nada mais nada menos que Notorius B.I.G com a Hypnotize.... “nossa, faz tempo que não ouço esse som...e como é bom, adoro a batida...” logo pensei, “Pronto, vou gravar esse som no canal...entao bora”, a frase do baixo é muito simples, tirei de primeira... Notorious B.I.G., também conhecido como Biggie Smalls. Biggie é uma lenda do rap da Costa Leste dos Estados Unidos, conhecido por seu estilo de entrega lírica descontraído. “Hypnotize” é uma música que realmente captura a essência do estilo de Biggie. A batida é contagiante, as rimas são afiadas e a entrega é suave. É uma música que você não consegue tirar da cabeça, daí o nome “Hypnotize”. Como curiosidade, a base do baixo vem da música “Rise”, de Herb Alpert, canção do álbum homônimo do artista lançado em 1979. Quem conhece a história do Hip Hop com certeza sabe da relação de B.I.G com outro grande artista do rap, Tupac e infelizmente o fim trágico de ambos... A relação entre Notorious B.I.G. e Tupac Shakur é uma das mais famosas e complexas na história do hip-hop. Eles se conheceram em 1993 e desenvolveram uma amizade próxima. Biggie costumava ficar na casa de Pac em LA quando visitava de Nova York, enquanto 2Pac supostamente enviava garrafas de Hennessey para Biggie e dava conselhos ao jovem rapper1. Eles chegaram a se apresentar juntos no palco, fazendo freestyles em locais como o Madison Square Garden1. No entanto, as coisas começaram a azedar quando Tupac foi baleado do lado de fora dos Quad Recording Studios em Times Square em 30 de novembro de 19941. Depois de ser chamado para o estúdio pelo rapper Lil’ Cease, afiliado de Biggie, Pac foi baleado, espancado e roubado. Mais tarde, ao encontrar Biggie e Puff Daddy dentro do prédio, Pac foi levado a acreditar que Biggie estava por trás do tiroteio1. Sua amizade terminou naquela noite1. Enquanto Pac estava na prisão, Biggie lançou a música ‘Who Shot Ya’, que muitos suspeitavam ser uma provocação a Tupac1. Ambos Biggie e Puff afirmaram que a música não era direcionada a Tupac1. Apesar de suas vidas terem sido tragicamente curtas, o legado de ambos, Tupac e Biggie, continua vivo. Eles são lembrados como dois dos maiores rappers de todos os tempos e suas músicas ainda são ouvidas e amadas por fãs de todas as idades ao redor do mundo. Então, se preparem para uma viagem no tempo enquanto eu toco para vocês o clássico “Hypnotize” do inesquecível Notorious B.I.G. Vamos nessa!