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No entiendo nada!!! o yo soy muy tonto o tu eres muy listo, como podemos llegar a un punto medio? Ahora la cultura es una coartada para que no despiertes, los artistas vivimos atemorizados ISTITUCIONALIZADOS Censurados esperando una exposición para pagar facturas, a la sombra de los buenos existen los malos parásitos , y te aseguro que de esos en la cultura hay infinidad. El arte nos debería ofrecer preguntas difíciles y comprometidas dado en la sociedad distopica en la que estamos y eso a los centros culturales mientras cobren sus nominas los que los gestionan no les interesa. No es sano el estar bien adaptado a una sociedad Profundamente enferma Krisnamurti. Feliz dia. Si vienes por Cuenca llamame y seguimos con el debate.

EDUARDO GRUBER.- Pintor santanderino que nos presenta en el CAC Málaga una exposición de pintura con cuadros y dibujos de técnicas y formatos variados. Dominan los colores blancos y negros que no impiden que de pronto surja algún lienzo gigante en una explosión de color. Hay cuadros donde aparecen pocos elementos, otros en cambios son muy complejos y elaborados pero ambos tipos son de difícil lectura; ahora bien, todos demuestran destreza, oficio, y grandes dosis de belleza. La temática del pintor se centra en dos asuntos claves para el ser humano: el amor y la muerte. Pinta sobre el amor y los amigos, sobre la alegría de vivir y sobre la muerte, sobre la guerra y sobre la inmortalidad( estremecen la terna de cuadros de la serie "Acuario"). Por último muestra también preocupación sobre los temas sociales. Como referencias para comentar la obra hemos leído entrevistas además de recurrir a símbolos, mitos y cuentos que muestran constantes narrativas que ayudan a hacer una lectura más o menos convincente. Nos cuenta el artista que hace algunos años pasó de pintar abstracto a figurativo, con lo cual consiguió dotar a los lienzos de un "aire" que les faltaba. El abstracto pasó entonces a ser la primera capa que pinta y a la que llama "fondo". También como novedad comenzó a elaborar bocetos que son como reflexiones que se van sumando hasta que un día de manera mágica ocurre el encuentro entre dos imágenes, dos pensamientos, y se enciende una lucecita imaginaria y surge el cuadro. Es ese un momento de felicidad, es como si hubiera encontrado "oro". Dice que él es como un termómetro y que en esos momentos está el nivel al máximo. Además nos dice Gruber que alterna la pintura con la tarea de escribir novelas. La última e inacabada se titula: "El devorador íntimo" y en la portada se ve un ciervo de frente con la cara en primer plano y con la boca abierta, y que parece ser atacado por detrás por una "araña" que es en realidad la sombra de los cuernos. Comenta también que su estudio es para él un lugar mágico y que donde un día no hay nada, se levanta a la mañana siguiente y ahí se encuentra con una obra maravillosa o bien, en otros casos, con un fracaso donde el día anterior había visto todo lo contrario. El cuadro es para el pintor que nos visita un reto con el que se lucha, hay que mandar sobre él y a veces hay que pasarse tardes enteras esperando a que surja el encuentro al que antes aludíamos. Se considera Eduardo Gruber un privilegiado( aunque demostró mucha valentía y vocación cuando se arriesgó a no terminar la carrera de Bellas Artes cuando solo le quedaba una asignatura por aprobar) y dice que tiene el deber de responder ante la gente asumiendo riesgos, y también que tiene que llegar al espectador, ayudarle a reflexionar y aportarle conocimientos.

EL FONDO.- La obra de Gruber conecta en profundidad con los dos grandes temas míticos originarios: el asesinato del padre y el incesto madre-hijo propio del Matriarcado. Veamos un esquema de los sucesos primigenios del ser humano según la teoría más aceptada: EL TIEMPO ANTES DEL TIEMPO.- El hombre primitivo vivía en pequeñas manadas; en cada una de ellas dominaba un macho fuerte, un padre violento y celoso que se reservaba para sí todas las hembras, mayores y jóvenes. Por otro lado castraba, mataba o expulsaba del grupo a los hijos conforme iban creciendo( tema pictórico de la devoración del hijo). Estos descendientes formaban pequeñas comunidades y se procuraban mujeres mediante el rapto(tema mitológico y pictórico del rapto de la mujer). EL CRIMEN ORIGINARIO( EL PECADO ORIGINAL).- Los hermanos desterrados se unieron en un determinado momento para matar al padre y comérselo( este momento antropológico pudo durar milenios). Al devorar al padre, modelo envidiado y temido, se identificaban con él. Este asesinato debió ser llevado a cabo en colaboración con la madre pues tenemos por ejemplo el tema de Teseo donde Ariadna lo ayuda a matar al Minotauro. Y finalmente sería la madre sola la que lo llevaría a cabo( ver cuadros de Edward Munch por ejemplo). LA LIGA FRATERNA.- Esta nueva comunidad de hijos sin machos adultos llegó a un acuerdo para que no existiera rivalidad entre ellos( inicio de una especie de Derecho). MATRIARCADO.- Tras la ausencia del macho dominante, el poder de la manada pasó a las mujeres y como sustituto del padre se encontró a un animal fuerte del entorno( tótem). Fue también en este periodo cuando empieza la relación incestuosa madre-hijo (tema de la manzana de la discordia). Se instituyó por otro lado una fiesta periódica, en recuerdo de aquel magno suceso, en la que se sacrificaba y se comía un ejemplar del tótem( en esta exposición aparecen en tres cuadros el tema de la mesa ritual de los sacrificios).

I want to meat you one day soon

Magnífica. Muy interesante. 👏

when you kom to europ!!!

Porque no se puede volver a la caverna despues de haber estado en la supermodernidad? MGracias por compartir! BLATTWÜRMERX 2021 no es de EWÜRM, sino Mio, porque son mis hojas

Preciosa exposición

🎉😮

❤

Sería mucho más interesante si se pudieran ver las obras comentadas que se proyectan en la pantalla.gracias

#LENCHECREPITO SE FUE DE #LETRINOLOGO

cuanto ha viajao

Me encanta Julián! Y como director es maravilloso!!!!

Muy interesante ésta EXPOSICIÓN!!! Éxito y Suerte !!! María Egea ❤

Que bonita la abeja reina. Es muy unica en su clase y muy excepcional. Me gusta mucho.

"Work, Rest and Play" es el título de la exposición y de una obra de la misma. Se refiere la frase al asunto de la moderna creación de oficinas para adaptarse a la nueva forma de ver el mundo en los tiempos que corren. Se plantea en la frase promocional, que el tiempo que se pasa en dicho trabajo debe ser distribuido en "tiempo de trabajo", "tiempo de descanso" y "tiempo de juego", a fin de mantener una alta productividad. También se trata de evitar pasar demasiadas horas frente a la pantalla y de fomentar el contacto entre los compañeros en el tiempo de descanso y de ocio. Seguramente un anuncio de estas características debió leer James Rielly cuando se le vino a la cabeza el Capricho 43 de Goya titulado: "El sueño de la razón produce monstruos" y decidió pintar este óleo. Deduzco esto porque ambas obras son muy parecidas y el pintor es muy aficionado a la obra de Goya. COMPARACIÓN DE AMBAS OBRAS.- En la imagen de la estampa de Goya se ve a un hombre ( intelectual, artista) dormido, sentado, y con la cabeza apoyada en una mesa. Tiene unos papeles y una pluma sobre ella y parece que se cansó de la tarea y se echó a dormir. Este hombre simboliza la "razón". El rostro del individuo no se ve pero podría representar al mismo Goya y por eso lo oculta. A espaldas del durmiente vuelan innumerables murciélagos al fondo, y más cerca también aparecen volando búhos o lechuzas. En el suelo mirando al sujeto aparece un gato. Los murciélagos representan fuerzas ocultas y primarias del ser humano( violencia); los búhos son símbolos de muerte( guerra) y de la práctica de la brujería. El gato es un animal de múltiples significados, pero seleccionamos según el contexto la de "tigre dormido" y la de mediador entre el mundo interior y el exterior del ser humano. EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS.- Esta frase tiene gramaticalmente varios significados posibles pero vamos a quedarnos con dos: 1) "Sueño" en el sentido de "echar un sueño" o sea el hecho de dormir. Así, lo que ocurre cuando dormimos es que la razón, consciente, se ausenta y suelen aparecer los monstruos internos, a veces en forma de pesadillas. Pero también podemos considerarlo como un "dormir social" y entonces aparecen los monstruos de la guerra y los conflictos en general.2) Significado de lo contrario: como "tener un sueño" que se llama "razón" y entonces soñamos con los monstruos de las utopías, las cirugías sociales y políticas y otros experimentos diversos que luego fracasan evidentemente. NECESIDAD DE LA RAZÓN.- El hombre tiene necesidad de un orden, interno y externo. La ciencia, la razón, pone orden en el mundo. La angustia no es sino la ausencia de orden. Los psicóticos como Dalí siempre se interesaron por la ciencia ( ciencia muy "sui géneris", pero ciencia). Los neuróticos obsesivos también son grandes aficionados al ajedrez, matemáticas etc.Los pintores aportan geometrías diversas a sus cuadros. Recordemos a Miki Leal que terminaba muchos de sus cuadros con geometrías diversas. La razón es mediadora entre los instintos reprimidos y las normas sociales, jurídicas y religiosas. Pero los humanos caemos fácilmente en lo contrario, en la sinrazón. Es lo que nos apetece: matar al vecino que nos molesta. Aunque lo normal es caer en la violencia cuando formamos parte de una masa, como sucede en el fenómeno de la guerra. EXCESO DE RAZÓN.- Hoy día hay una corriente de pensamiento llamada "Cientificismo" que pretende explicar al ser humano como algo de naturaleza física y química exclusivamente. De esta manera el hombre sería como una "tábula rasa" donde se puede escribir, diseñar, a un ser humano ideal. Algo que sería como una máquina. FINAL.- James Rielly se plantea entonces si con este tipo de oficinas ( Work, Rest and Play ) no estamos asistiendo a la planificación de un mundo monstruosamente razonable.

"The Family Shrine" ( El altar familiar). Un hombre con traje azul y zapatos negros yace tumbado de espaldas en el suelo. La cabeza está de un lado y los pies de otro. Parece un pelele goyesco. Se supone que el hombre está muerto pues tiene velas encima de él por todo el cuerpo: espalda, cabeza, brazos y piernas. Estamos pues en un velatorio o sea en esa ceremonia donde se trata de acompañar al difunto en el paso hacia la otra vida. También la luz de las velas indica la presencia de algún dios o diosa. Pero analizando los detalles del ritual comprobamos que se ha usado un cinismo y una crueldad extremas por parte de los supuestos acompañantes. Al cuerpo no se ha dado la vuelta (recuerda la foto de un ganster, asesinado por la espalda, a la espera de que llegue la policía), tampoco se ha introducido en una caja ni se le colocó encima de una peana o similar que lo eleve por encima del suelo. Las velas están sobre su cuerpo en vez de sobre portavelas adecuados y además son de colores, como si el autor se alegrara del suceso. El rostro no está oculto lo que significa que no se desea ocultar la identidad del muerto. No hay nadie velando al muerto, no hay una sala a la vista, no hay mobiliario, no hay nada; solo el solitario cadáver. El título de la obra es "El sacrificio familiar" o "El altar familiar". Siendo el muerto un adulto varón, el arquetipo que le corresponde es el "padre" y más con ese título. Esto quiere decir que estamos en una representación cínica y cruel del llamado "Asesinato Primordial". También deducimos a raíz de la declaración del pintor en el cuadro " La eliminación del cinismo" que él no puede estar implicado como personaje en esta obra. ARQUETIPO.- Un arquetipo es un asunto o personaje arcaico y universal que pertenece al incosciente colectivo( Patrimonio filogenético humano). Pueden ser eventos personales( nacimiento, muerte, iniciación, matrimonio), figuras( madre, padre, niño, sabio,trickster, héroe) o motivos diversos( apocalipsis, diluvio, creación). El Asesinato Primordial, Pecado Original o Magno Suceso, son tres arquetipos que hablan de lo mismo: el asesinato del padre a manos de los hijos( Fratría) en los comienzos del ser humano. El motivo parece que fueron los celos y la envidia y el odio al padre, el cual tenía un poder ilimitado sobre la horda y disponía de todas las mujeres. Este acto parece que continuó ejecutándose de manos de las mujeres adultas en el Matriarcado y posteriormente, ya en el Patriarcado, los reyes eran asesinados cuando empezaban a envejecer. Este caso tenía una explicación mágica: la marcha de la naturaleza dependía de la fortaleza del monarca. Así que a cierta provecta edad solo se esperaban catástrofes naturales. Con el tiempo estas prácticas bárbaras fueron desapareciendo quedando en el incosciente humano como arquetipos que reaparecen en el arte, los sueños y delirios. Tenemos miles de ejemplos: cuadros de Edward Munch en pintura, "El corazón de las tinieblas" de Conrad en novela, "Apocalipsis now" en cine( sacrifico ritual de Kurtz). El parricidio por otro lado aparece en las obras: "Agamenón", "Hamlet", "Los hermanos Karamazov", etc.

"Love be Loved in Return" ( Amar y recibir amor a cambio). Para encontrar el sentido de este cuadro empezaremos por el título, que habla de intercambio de amor, lo que nos remite al tema antropológico del don: intercambios primitivos donde múltiples cosas se dan, se reciben y se devuelven aumentadas de valor y de manera obligatoria. La obra nos presenta a un niño rubio con camisa azul y la cara cubierta por algo que deben ser monedas. Monedas también sin rostro, como el niño, ni emblemas ni nada. Amor y moneda nos lleva al asunto arquetípico del intercambio entre mujer y dinero; hecho del que conocemos múltiples casos, incluso hoy en día nos queda el vestigio de las arras en el matrimonio religioso. Pero siendo el personaje un niño, el amor por excelencia es el amor perdido para siempre, el amor materno, el incesto frustrado que impuso el avance civilizatorio y que queda como residuo en la infancia. La madre es el amor supremo para el niño y el padre para la niña, así empieza siempre todo pero luego la sexualidad dará muchas vueltas. Resumiendo, esas monedas coloreadas nos hablan del intento de comprar el amor materno por parte del niño. Recordar que en los dos casos infantiles que Freud analizó ( el caso "Juanito" y el caso del "Hombre de los lobos") aparece este tema: Juanito(Hans) quiso comprar a su madre por 50.000 florines y el Hombre de los lobos sospechaba que el padre pagaba a la madre cada vez que realizaban el coito. Pero esto no era tan raro pues en las famosas islas Trobiand el varón pagaba a su mujer cada vez que tenían relaciones sexuales. Ejemplos hay miles. Por fin, la relación entre el rostro, la cara, y las monedas la encontramos en la tradición galesa( región británica de donde es oriundo el artista), donde se llama " precio del rostro" a la dote que paga el marido a la mujer cuando se casan.

" The Removal of Cynism" ( La eliminación del cinismo). Este primer cuadro que voy analizar de James Rielly no es sino una declaración de intenciones del pintor. Es una obra relativamente grande llena de un amarillo vivo de fondo donde solo aparecen dos ojos que miran de reojo. Este tamaño del cuadro y esta amplitud del fondo pretenden llamar la atención del espectador sobre lo que quiere decir el cuadro. El título de la obra nos orienta sobre la solución a esta especie de jeroglífico y nos viene a decir que no hay cinismo en su obra. Veamos: un cínico expresaría en su obra una burla indiscriminada a toda creencia, valor o norma social. En cambio yo lo que veo aquí, en esta exposición, es ironía, burla suave para quitarle un poco de "hierro" a temas tan profundos y dramáticos como los que va a tratar el artista. Adopta por tanto Rielly la posición expresiva de un Trickster o payaso sagrado, que veremos luego que es. Ya en el cuadro observamos la mirada de esos dos ojos hacia un lado que corresponde a una mirada de recelo. Recelo hacia un posible espectador que lo acuse de cinismo. Para anunciar sus intenciones, el artista usa ese amarillo vivo que simboliza la luz del sol, la divinidad y por tanto la nobleza de sus intenciones. TRICKSTER.- Un Trickster es un payaso sagrado, un bufón ritual, y aparecen en muchas culturas primitivas y dieron lugar con el tiempo a los bufones de las cortes y también a los payasos que todos conocemos.( Algunos podemos recordar al indio loco, Cheyenne, que cabalgaba montando al caballo al revés).Características del Trickster:1) Tiene un permiso especial para parodiar y criticar aspectos defectuosos de su propia cultura.2) Tiene un papel de mediador entre los dioses y el hombre o sea tiene una función civilizatoria. 3)La gente rara vez, conscientemente, entienden lo que hacen. 4)Tienen un papel sagrado en ceremonias religiosas y también sociales, parodiando la seriedad excesiva y desinflando la pomposidad. 5)Fingen a veces que son invisibles. 6)Actúan de modo atontado, infantil, ávaro, egoísta y lascivo.

Julian es un artista muy trabajador y sensible. No solo perteneció a una cierta época siendo admirado e importante, sino que se esfuerza notablemente en superarse, y es realizador de igual forma. Tiene más de 5/6 más largometrajes, tal vez el más logrado el de nuestro Reinaldo Arenas, nuestro gran escritor!...🇨🇺 🇵🇹 🇨🇺 🇵🇹

Big big big

I have learned quickly that those prolific artists use acrylic most often with touches of oil later...as there is no way they can be that productive in oil only...impossible. And why not use acrylic? it still has a stigma of being less serious...goodness knows why? anyways...just throw in some oil glazes in the end to tie it all together and change the surface sheen...and viola...another serious artist why just happens to use acrylic but with oil...gotta respect that!? Ha.

FANTASMAS Y GIGANTES EN SCHNABEL.- Nos encontramos de nuevo con una excepcional exposición del CAC-Málaga. Esta vez del pintor y cineasta Julián Schnabel, con una obra muy humana, llena de afectos ( retratos de familiares y amigos ) y también de ironía y acertijos que intentaré descifrar. Po último se trata de una obra que es un homenaje a la pintura clásica española, un homenaje a los maestros, en un ejercicio sano de humildad y reconocimiento. Partimos del hecho de que toda expresión artística tiene que ver con el saber incosciente del autor, o sea con su experiencia oculta y con los mitos comunes al ser humano. El mismo Schnabel dice que: " a veces la consciencia es un insulto y es preciso abrirse para dejar paso a lo incosciente ". Por otro lado veremos los dos asuntos que más resaltan y más comentados en la exposición: el de las " manchas blancas " y el del tamaño superlativo de los cuadros. Veremos estos dos aspectos desde el punto de vista del psicoanálisis y del cuento maravilloso. EL SUFRIMIENTO Y EL FANTASMA.- El sufrimiento humano no sino la constatación de que casi siempre la realidad ( la interior y la del mundo ) no se deja dominar, causándonos por ello más o menos malestar. Las fantasías y fantasmas nos permiten una salida urgente pero imaginaria a este desasosiego. La fantasía está orientada al futuro y suele consistir en proyectos, que si se ajustan a la realidad resultan necesarios y saludables. Los fantasmas fueron representaciones apresuradas que imaginamos en su momento para intentar taponar la angustia provocada por los traumas primigenios. Pero también pueden cumplir una función social si son sublimados, simbolizados, dando lugar a una profesión o afición ( siempre se habla en psicoanálisis de la cirugía como sublimación de instintos asesinos infantiles ). El problema sin embargo es que estas creaciones infantiles perduran, se enquistan sin evolucionar hacia lo cultural y se convierten en acompañantes molestos de nuestro pensamiento, además de influir notablemente y negativamente en nuestro carácter.

FANTASMA Y TEXTO ARTÍSTICO.- En todo texto artístico suele emerger, más o menos camuflado, un fantasma. Máxime si es un texto corto como en este caso: un cuadro. El fantasma es una pequeña historia que se visualiza: una escena imaginada, con sus lugares, su tiempo, su luz y sus sonidos. El fantasma resulta para el sujeto: 1.- Enigmático o sorprendente. 2.- Como un elemento injertado. 3.- Aparece contra su voluntad. 4.- Es una escenificación vergonzosa que hay que mantener en secreto. Fantasmas son entonces esas " manchas blancas " que no tienen forma definida, que representa objetos velados, en un plano por encima de la pintura de fondo, como dominando la escena, amenazantes y que en algunos casos se adivina su significado por la silueta representada. Se trata entonces de algo que se quiere mostrar pero no del todo. Así que debe tratarse de asuntos indecorosos, prohibidos, como ocurre con lo reprimido-incosciente. Si nos fijamos en el típico fantasma de nuestra infancia recordaremos que consta de una sábana blanca, sin nada interior, con forma humana, con una gran boca y grandes ojos, que levanta sus brazos de forma agresiva. Este fantasma clásico ( el de los cuentos infantiles ) aparece, aunque sin ojos, en un retrato de Tatiana Lisovskaia. Se trata en suma de un fantasma de " devoración ". Lo mismo ocurre en el del retrato de Albert Oehlen, aunque en este caso la imagen blanca es como una boca animal que parece engullir al retratado. También aparece un fantasma de " exclusión " ( fantasma que creo que emerge con mucha fuerza en estos tiempos ) en el retrato de Amalia Nazario ( un brazo blanco con el dedo índice señalando hacia fuera ). Otro no agresivo y que podría clasificar como " de retorno al útero ", aparece en el cuadro de " las niñas " y consiste en un huevo roto. Se aprecia el cascarón y la clara. La niñas representarían la yema. El más llamativo sin embargo aparece en el cuadro de la exposición: el de María Luisa de Parma y que se asemeja a un bumerán en posición de disparo y atravesando toda la escena, de arriba abajo. Qué opuesta esta mujer a esa otra del cuadro titulado: " Large Girl with No Eyes " ( con mayúsculas ). Aparece esta dama: tierna, cálida, juvenil y viva. Pero además esta mujer está " prohibida " para Schnabel, por eso le oculta los ojos con una franja de pintura fuera de contexto. Los tipos de mujer están muy representados en los cuentos infantiles y corresponden realmente a la actuación materna en las distintas etapas del desarrollo humano. Cuando la madre actúa de modo favorable al niño, resulta entonces la " madre buena ", y cuando la madre se muestra contraria a los deseos del mismo, resulta la " madre mala ".

GIGANTES.- Los cuentos infantiles hablan un lenguaje simbólico y primitivo. Los adultos, personas razonables, no los entendemos pero los niños sí, porque es su idioma. El niño sabe que los gigantes no existen pero saben que en el cuento representan a los padres, que son como " gigantes amenazadores ". En este contexto infantil creo que hay que entender el tamaño gigante de los cuadros de Schnabel, que llevan marcos que no son sino puertas, puertas gigantes; como las que de pequeños daban acceso al dormitorio de los padres. Lugar este que constituye ese espacio inaccesible, sagrado, donde tiene lugar el Acto. Pero también ese Lugar es un espacio mental y físico donde se generan la mayoría de los fantasmas. Sobre los Actos habría que añadir que en realidad constan de dos ritos sucesivos: el coito y el posterior asesinato y devoración del macho ( como tantas veces se ha comentado que ocurre en el ámbito de la naturaleza en la " mantis religiosa " ). Eros y Tánatos unidos. Este asesinato, que nos habita como una realidad incosciente, no es sino el origen de la conciencia y la moral y constituye el llamado Pecado Original por los los cristianos. Véanse los explícitos cuadros de Edward Munch sobre este tema. Pero también el cuadro de María Luisa de Parma trata de lo mismo: ella montada sobre el animal totémico, dominante, vestida de luto, mientras el arma homicida, el bumerán, flota, cortando la escena, en primer plano.

Que bien :)

Me parece una estafa de artista , la veo y la escucho y. Me recuerda más a un político que a un artista

Fabuloso. Este vídeo debería estar en la exposición de Málaga

Que interesante!! Y qué majo Pistoletto, da gusto encontrarse con artistas con tanta pasión, y a su edad 🤩

I like Sean Scully he looks like the fun uncle at a family reunion

LA " VENUS DE LOS TRAPOS " DE PISTOLETTO Y " EL MITO DE PERSEO ". La obra de arte es una elaboración del artista sobre su experiencia y su Memoria. Memoria que es la de todos y que aparece en los mitos, símbolos y religiones. Recordemos que las Musas son hijas de Mnemósine o diosa de la Memoria. La creación artística se genera básicamente por revelación de nuestra milenaria historia común. Con estos supuestos, este comentario tratará de hacer un análisis de la obra indicada; y un buen análisis se deber elaborar principalmente a partir de lo que se presenta a la vista, para luego añadirle el complemento teórico adecuado. Hay que tener en cuenta que esta obra, que parece ser casi una broma del artista, ha tenido una trascendencia enorme, y es porque como veremos trata de temas que rigen las profundidades del ser humano. Sabemos que la venus de Pistoletto es una versión de la desaparecida Afrodita de Knido de Praxíteles, y la ropa eran trapos usados por el autor para la limpieza de sus espejos. Y lo que vemos es una escultura que representa a una gigantesca mujer, una venus, de color blanco brillante y textura pétrea y que se ha dado la vuelta mostrándose de espaldas, al tiempo que casi se sumerge de frente en un montón de ropa usada apoyada en la pared de la galería de arte. Podemos decir que la intención del autor ha sido tapar con la ropa las vergüenzas de la mujer, vestirla. ( La vergüenza tiene que ver con la no exhibición de una carencia, mientras el pudor tiene que ver con la no exhibición de lo que debe permanecer oculto ). Hay que tener en cuenta que no existe la " interpretación " de una obra de arte, pues ello exigiría un código predeterminado y fijo que bastaría aplicar automáticamente para encontra el sentido de la obra. Sin embargo existen las lecturas de la obra, donde interviene el sujeto que la realiza. En mi caso haré una lectura más bien psicológica y antropológica de la Venus de los Trapos; y para ello emplearé los conocimientos sobre sexualidad aportados por el psicoanális, pues ¿ Qué otro instrumento de conocimiento ha tratado mejor y con más profundidad este tema ?. LA CASTRACIÓN es uno de los complejos que constituyen el núcleo del psiquismo humano. La falta de pene en la niña es vivida por esta como un drama insoportable y acusará a la madre por haberla concebido sin ese apéndice fatídico. Por otra parte el varón vivirá la amenaza de castración como una experiencia angustiante y además no soportará la visión directa del sexo femenino y es por lo que creará mecanismos de defensa para frenar el malestar provocado por la escena. Pero a la vista de la escultura y el ocultamiento de la boca de la venus en la ropa, creo que también se moviliza en el incosciente del artista otro mecanismo psíquico que es el MIEDO A SER DEVORADO por la madre; miedo que va a provocar la represión del incesto. ( El incesto y los sacrificios humanos son los dos grandes tabúes del pasado humano y que hubo que superar. En el Antiguo Testamento aparecen numerosas veces ). La desazón incosciente ante la visión del sexo femenino y el miedo a la devoración creo que son el punto de arranque del mecanismo que Pistoletto puso en acción cuando creó su obra. ( La diferencia ente el miedo y la angustia es que del miedo se conoce qué o quién lo provoca; en cambio el origen de la angustia en principio es desconocido por el que la sufre ). Evidentemente a nivel consciente y al mismo tiempo el artista y el espectador, en su caso, experimentará el goce visual y el placer estético que provoca el cuerpo de la mujer representada. Sobre como fue el acto creativo, leí en los medios que el artista tenía la venus ya fabricada en su estudio y al mismo tiempo tenía también un montón de trapos en el taller y que en un momento dado se le ocurrió la combinación de ambos elementos de esa manera, para crear la pieza.

EL MITO DE PERSEO cuenta como este héroe se enfrenta al monstruo femenino llamado Medusa, que petrificaba al instante a la persona que la miraba de frente y además devoraba a sus víctimas. Medusa era representada en el arte antiguo por una gigantesca mujer con una cabellera de numerosas serpientes enredadas. Tiene un feo rostro con una gran boca de la que saca una larga lengua y qu posee también dos grandes colmillos. Ofrece generalmente un feroz gesto que llena de espanto a quién la mira. El rostro de Medusa no representa otra cosa que el sexo femenino. La maraña de serpientes son una respuesta hipertrofiada a la ausencia de falo en la mujer. La lengua es un gesto burlón por la falta. Mirar directamente su cara es mirar directamente al sexo femenino. Como el héroe no puede mirar directamente al monstruo es por lo que se acerca a ella mirando el reflejo de su imagen en su escudo al tiempo que con su espada, de un tajo, le corta la cabeza acabando con su vida. Este acto representa el conocimiento de la castración y la superación del incesto materno. Pistoletto por su parte rememora este mito, pero su lucha es ahora una sublimación: la que constituye la obra de arte. Así, ante la amenaza de devoración incosciente que representa la venus y ante la angustia provocada por la visión directa de su sexo, procede a ejecutar dos actos de defensa. Uno consiste en el mecanismo físico de darle la vuelta a la estatua para no verla de frente y otro, psicológico, que consistió en adherirla a un fetiche que está enormemente multiplicado: los trapos. Es también una respuesta hipertrofiada ante la falta.

EL FETICHE es una elaboración imaginaria, una defensa, del varón con el que trata de tapar la falta del sexo femenino y así suprimir la angustia que le provoca. El fetiche " tapará " lo que no hay. Estas dos negaciones sumadas dan un resultado positivo y crean la ilusión de que no hay castración. Los fetiches suelen ser prendas que usa la mujer, a veces próximas a su sexo, como unas bragas; pero a veces alejadas, como unos tacones o un sujetador. Lo que indica que no importa la localización espacial. Cada fetichista tiene su fetiche propio y denota lo último que el niño vio un instante antes de observar por primera vez el sexo femenino. Al paralizar así su recuerdo, en ese instante, evita la angustia que le hubiera reportado observar la escena que venía después; al tiempo que instituye un objeto, el fetiche, que será a su vez metáfora de la falta. El fetiche como " tercero " siempre está presente en el coito, a veces de la manera más oculta y no deja de ser para el hombre la huella de una homosexualidad evitada gracias a este ingenioso mecanismo psíquico. Recordemos que toda relación sexual es una " relación a tres " y quizá por eso sea el título de la exposición: " Uno más uno igual a tres ". LA VENUS DE LOS TRAPOS trata entonces de la castración, un tema que quizá esté quedando obsoleto y superado. Y es que fase sexual donde interviene esta amenaza, la última, está desapaeciendo. Parece que entramos en un periodo, en una sexualidad, sin ese trauma, una sexualidad imaginaria, sin diferencia sexual real. Para algunos supone quitarse una carga de encima pero hay que tener en cuenta que otras amenzas puede aparecer. El hecho del consumo masivo de pornografía, donde el sexo aparece explícito sin causar angustia alguna, es una prueba de que la castración va siendo un trauma olvidado. Sin embargo, y por el contrario, el otro tema de que trata la obra, el del miedo a la devoración parece resurgir con gran vigor. Algo que tiene que ver con una exagerada oralidad se está cocinando, y la hipertrofia del tema de la comida en todos los ambitos da cuenta de ello. Seguramente estemos ya siendo devorados por Medusa. Pistoletto expone también este asunto en una obra titulada: " Paredes blancas ", donde dos espejos casi enfrentados, en ángulo, se van cerrando en una secuencia espacial, hasta que terminan de cerrarse totalmente creando una inquietante sensación de deglución. El malestar en la Cultura continúa; es condición humana.

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YO ESTOY AQUI POR UNA TAREA

Exposición de pintura de Jules de Balincourt, artista de gran proyección internacional y que nos recuerda en algunos aspectos formales y de fondo a su antecesor en la misma sala: Miki Leal, pintor y escultor. Ambos se expresan en un lenguaje figurativo a base de finas capas de pintura diluida. Pero mientras Miki Leal es más variado y sosegado en la temática, Balincourt es repetitivo y obsesivo. Lo primero que salta a la vista en su obra, vistas en conjunto, es el sistema de oposiciones campo-ciudad y el tránsito contínuo entre ambas posiciones, pero también dentro de cada extremo hay otra dualidad interna: la noche y el día. Esto da lugar a cuatro posibilidades formales. los humanos vivimos siempre en una red de oposiciones simbólicas y naturales diariamente: hombre-mujer, noche-día, Sol-Luna, padre-madre, luz-oscuridad, artificial-natural, cielo-tierra, vida-muerte, etc. Esta singularidad nos crea una duda contínua y nos angustia, y es por lo que intentamos buscar soluciones intermedias o también pares de oposiciones metafóricas que sustituyan a la primera, que tampoco serán solución a nuestro malestar pero que a base de repeticiones infinitas encontramos alivio, por cansancio y desgaste más que otra cosa. Así tenemos dos asuntos muy humanos que son la repetición y la búsqueda y conformidad con el intermedio, con la mitad, con el sucedáneo. Pero esto lejos de constituir una derrota nos hace humanos. En general sabemos todos de nuestra constitución a base de traumas y de la busca de soluciones posteriormente. Algunos se curan las " heridas de guerra " en el mundo del Arte otros en la profesión elegida libremente y otros eligen falsas salidas como las ideologías ( donde se pone en juego el odio ) o en los paraísos artificiales ( no confundir con las salidas en lo simbólico, permitidas periodicamente, y que constituyen la Fiesta ). Vamos a ver primero la oposición medular en la vida y obra de Balincourt empezando por el significado de la ciudad, Nueva York en su caso. La " City " representa el orden, la geometría, lo intelectual, racional, la salida al caos y la disolución de la naturaleza con sus lineas curvas desordenadas y sin fin. Pero también Nueva York representa el encuentro con la Ley, el sometimiento, el castigo a veces, la cura de humildad.

Como contraste con la ciudad aparece el campo como Paraíso, como refugio, como huida del conflicto ( cosa que no conseguirá, claro ), como lugar del amor ( el amor es redondo, completo, sin fisuras; en cambio el deseo es exposición, trabajo y riesgo ). Pero el amor es también peligro, devoración, tedio y por fin disolución y muerte. Es el lugar materno. Realmente nuestro polarizado artista no termina de encontrase bien en cualquiera de los dos espacios geográfico-afectivos y por eso cada cierto tiempo necesita viajar de uno a otro, constituyendo el desplazamiento un tema y una situación emocional aparte. Veamos algunas declaraciones: "...he vivido en Nueva York y he buscado refugio en Costa Rica...", " ... un cuadro es un viaje....", "... a veces cuando estoy en Nueva York tengo la sensación de escapar de esa realidad pintando lo que me ocurre en Costa Rica y cuando estoy en Costa Rica mi trabajo está más vinculado a Nueva York..." "...vivo entre dos mundos, ambos me interesan y también su contraste. Me gusta combinar lo primitivo de la Naturaleza y lo intelectual de la ciudad.. "...algunas piezas se ubican en ese espacio intermedio ( in-between )... "...la isla representa paraiso pero también aislacionismo, nacionalismo, ideología o círculo cerrado..."....un tema recurrente en mí es la comunión de la naturaleza ( aislamiento ) y la ciudad...."

Las barcas son símbolos del viaje a la muerte, al más allá. Pero aquí tienen también un sentido bélico, representan un ataque a alguién, a ese ser superior envidiado. A ese sujeto con el que se encuentra en Nueva York encarnado en los grandes maestros, vivos o muertos ( Breughel, el Bosco..), a los que adora y odia porque son inigualables y por ello maltratan a su ego. Pero también en la selva se va a encontrar con la figura paterna, pero de otra forma y además allí será testigo de su asesinato. En realidad la situación ontológica del artista en la ciudad y en el campo son semejante pero invertidas. En la selva aparecerá la ciudad, como en la jungla del Yucatán donde aparecen como por arte de magia las ciudades perdidas mayas; pero también en la ciudad aparecerá la selva, la " jungla de asfalto " se llamaba la película. Así, está claro que en Nueva York él no es el rey; sin embargo en la selva de Costa Rica, donde Balincourt se ha construido una inmensa cabaña y donde ha creado una escuela, sí que lo es. ¿ Y por qué el pintor no permanece siempre en este paraiso ?: pues porque necesita de la lucha, si no, se aburre, se muere. Observemos ahora el gigante autorretrato de su rostro titulado " Misfit Island " ( " Isla del Inadaptado " ) : es un fundido entre su cara por un lado y un grupo numeroso de barcos dirigidos a un mismo lugar, ordendos y firmes en su propósito, como si fueran a un ataque. Es más " fit " significa ataque; es más aún: el título de la exposición " After the gold rush " significa literalmente " Después del ataque dorado ". De esta manera el retrato del artista escenifica, mientras suelta una lágrima, un ataque hacia alguien al que odia y admira. En superficie esta figura última sería su maestro de la historia de la pintura, pero en el fondo es la figura del Padre, su competidor en lo real. Algunos dirán: " Ya estamos con el psicoanálisis ", pues veamos lo que dice el artista: " ....trabajo con las intuiciones del incosciente... ", " ....mis exposiciones son como la reunión de parientes que no se conocen...". Vayamos ahora a las piscinas y a esa gente que se divierte de noche en las azoteas. Hay aquí como una protesta que enlaza con el tema de la política entendida en su peor sentido, el de las ideologías. Y en este sentido la política no es sino una proyección malsana en lo social de los traumas personales. En vez de sublimar como hace el artista cuando pinta, se descargan las pulsiones, la envidia y su hermana el odio, en forma de ideología salvadora.

Los cipreses simbolizan la muerte en este artista ( los símbolos, aunque hay en ellos cierta constancia de la relación entre significante y significado, esta no llega a ser total ). Hay por otro lado aspectos siniestros en algunos cuadros, por ejemplo hay uno en que aparecen dos cabezas cortadas descabalgadas de un caballo ( lo siniestro corresponde a lo más crudo y oculto de lo humano, es lo que aparece en las pesadillas ). A este respecto Balincourt declara: "...a veces mis temas son melancólicos o siniestros y para contrarrestar este aspecto uso colores psicodélicos, pop,... "Señalar también la presencia de algunos cuadros monocromáticos en rojo. El color rojo en pintura suele simbolizar la sangre. Un " dripping " rojo no puede representar otra cosa que sangre. En Miki Leal los " drippings " aparecían coloreados ( sangre coloreada, tapando lo siniestro ). Las cuevas, refugios, islas, etc, representan el Paraíso Materno, el útero materno si nos referimos a lo Real ( recordemos la fantasía de retorno al útero ). Hay un cuadro titulado " Cave Country " que alude al tema de la " vagina dentata ", una vagina abierta con dientes y dentro un montón de gente sentados en corro. El sentido de este tema mitológico es el de la superación del incesto y también representa un viaje iniciático, como la ballena de Jonás o la barriga del lobo. El sujeto sale cambiado de este viaje tan peculiar y preparado para recorrer su propio camino: el del deseo.

Buena entrevista. Gracias. Bonitos cuadros llenos de interrogantes y símbolos que se repiten; y que recuerdan un poco a Miki Leal.

No hay ningún valor ni interés en ver a una señora leer un texto mal redactado delante de una cámara. Seguro que cobran un buen sueldo publico, por lo menos hagan un poco de esfuerzo en realizar bien su trabajo. Cualquier alumno de secundaria seria capaz de mejorar este video. Hay cientos de herramientas y referencias para hacer el trabajo con algo con más calidad.

La TRAGEDIA. El mundo humano comienza con una tragedia, un asesinato. En los cuadros de este pintor aparecen restos ya simbolizados de este acontecimiento. El DRIPPING no es sino la sangre derramada en el mismo. Los símbolos constan de una parte oculta, inicial en el tiempo, y una parte actual y material, es un signo con un sentido. Así la sangre pudo ser luego lluvia y ahora es pintura. El bodegón por otro lado representa la comida totémica, la última comida antes de que empiece a correr la sangre. La TÉCNICA. Empieza Miki Leal el cuadro con una pintura aguada que cae por gravedad pero de forma amorfa creando un efecto dramático. Es el comienzo, el caos que habrá que ordenar, la angustia a la que habrá que darle una salida en el arte. Le siguen en el espacio pictórico, que es el tiempo real del artista, figuras y geometrías diversas, supuestos collages, pintados, y termina con geometrías encima de todo buscando el equilibrio y el encaje de la obra en el espacio pictórico.

GENTE CONOCIDA / DERECHO A ENTRAR. Una de las características del ser humano es la ambivalencia de sentimientos respecto de algunas personas. Aquí el maestro es amado y odiado. Amado porque tiene las facultades artísticas que el pintor desea para él y odiado porque representa el muro, la valla, con la que se tropieza: debe ser examinado por él. El maestro es por tanto un personaje tabú en la vida del pintor y no debe ser conocido, pero está claro que es muy conocido. En la obra de Miki Leal aparecen rostros censurados, borrados o semiborrados. No quiere que se sepa la identidad de ciertos personajes. El escenario de teatro también oculta a los actores de este drama, que en el comienzo fue tragedia. La escena está censurada, pero la pajarita evidencia que detrás hay alguien especial, superior, algún maestro; y además en una situación que no debe ser revelada al espectador.

A la vista la de la exposición y tras los clarificadores comentarios biográficos expuestos por la comentarista, yo resumiría la obra de Miki Leal como " una lucha por el reconocimiento ". En el mundo simbólico representado en la obra hay dos espacios claramente definidos: el del padre, que es el de los maestros pintores y el del artista o aspirante. De esto trata la obra. Analicemos algunos elementos que aparecen. La FIGURA PATERNA está representada por el padre directamente o por los samurais. En el cuadro de los siete samurais parece que el pintor representa, de espaldas, al séptimo guerrero, el que se examina y aspira a tal título. Su espalda carga con un bodegón, que representa el peso de la historia del arte; pero más profundamente es el peso de la culpa, pues es un bodegón y el bodegón representa la comida del cadáver paterno. El artista debe matar de alguna forma a sus modelos, a sus guías o gurús que lo antecedieron en el tiempo a fin de ponerse él en su lugar. Se dice cuando se lee que " se lee contra alguien " y en pintura se " pinta contra alguien ". Es ley de vida. Otros símbolos de la autoridad son la pajarita, o los plátanos. El sentido de los plátanos enfrentados es el de la lucha, competición contra el maestro. El mundo parental es el mundo de lo sagrado, de la autoridad, de ahí el " asalto a la comisaría ". El salto de la valla representa lo mismo; la pajarita en el agujero es el obstáculo que ha de solventar para acceder al estatus superior. La figura del samurai aparece primero atada y al final desatada, cuando ya ha recorrido el camino del héroe, artista en este caso, y ha salido airoso, bastante contento a tenor del optimismo que respira la obra en general.

watefok, tengo qe bailar esa wevada

Muy muymuy bueno. A la altura de. kooning twomblyn.excelente

K te pasa

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